Camille Aleña
camille.alena@gmail.com- 2025
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SALT BATH - Camille Aleña & Kevin Desbouis 27.03.–20.09.2025
Boardeaux, FR
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Board Game 10.06.–16.06.2024
Basel, CH
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Synopsis EN
Every evening after work, Raffaella rushes back home. In her Roman apartment she changes into the host of a rather twisted game. Move by move, Raffaella determines the fate of six teenagers caught up in a clan war. Suddenly her nocturnal activity is interrupted by mysterious phone calls demanding her to put an end to her adventure. As the differences between the teenagers’ destiny and her own become blurred, Raffaella’s fall seems inescapable.
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Screening program proposed by Elsa Vettier 08.02.–10.02.2024
Quimper, FR
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Salt Bath (with K.Desbouis) - Posters - Trailer 27.01.–27.01.2024
- 2023
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Emo vs. Truzzi 06.07.2023
Palazzo delle esposizioni, Rome, Italy
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Press text EN
Film programme curated by the Magic Lantern Film Festival in the frame of the exhibition Roma, a Portrait. Festival of Foreign Cultural Academies and Institutes.
Magic Lantern Film Festival is a semiannual research-based thematic investigation of the interstice between visual art and cinema. The festival aspires to act both as a tool for the dissemination of artistic languages that use film as an ideal medium with which to give form to the imagination, and as a moment of critical inquiry of authors, ideas and genres.
Founded in 2016, Magic Lantern Film Festival is a project conceived and curated by
Maria Alicata, Adrienne Drake, and Ilaria Gianni.
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Emo vs. Truzzi, the sketch of a movie 24.06.2023
Cinelab / Cineporti di Puglia Lecce, Italy
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Press text EN
We are delighted to announce that Lateral Roma will present a selection of video works in Lecce, IT on Saturday, June 24 2023, at Cinelab / Cineporti di Puglia from 7:30 pm.
The evening at Cinelab will feature works by Camille Aleña, Edward Thomasson, Ambra Viviani, and Ian Wooldridge. Linked by their use of and interest in music as a driver of plot, the artists tap into performative genres that are charged by emotive perseverance, standing in for or directly linked to a specific political moment. The flash-mob musical of the hopeful early 2000s, emos vs truzzi and the contrary Zeitgeist these subcultures stood for, an angsty edit of a pop trance hit as the backdrop for a proxy experience – these videos are about coming together and coming apart, of being isolated, community, and dissent. “I’ll do the dance we’re supposed to do, try to do it just like you”, they sing, a promise of perfect harmony all out of tune.
Following the screening, Lateral Roma will lead an artist discussion with Edward Thomasson and Ian Wooldridge and an afterparty at PAM PAM! (Manifatture Knos, Lecce). Thank you to the Eresie Pellegrine team for helping us pull all of this together!
Date: Saturday, June 24, 2023 at 7:30 pm
Address: Cinelab / Cineporti di Puglia, via Vecchia Frigole 36, 73100 Lecce
SCREENING PROGRAM
Ian Wooldridge, Life filters too, I love you (a road movie), 2023
Lucy Beech and Edward Thomasson, Passive Aggressive 5 (Together), 2017
Camille Aleña, Playlist, 2018
Ian Wooldridge, APEX, 2017
Ian Wooldridge, Meso System Buoyed, 2018
Ambra Viviani, I‘ll steal your voice, 2022
Camille Aleña, Emo vs Truzzi, 2022
Edward Thomasson, Grace + Harmony, 2023
Camille Aleña (born in Fribourg - lives and works in London) creates new links between art, music and the history of forms and media. Camille develops her work through diverse strategies and approaches such as documentary, narrative, performance, and object making. She is interested in a singular relationship to music and moving image, the artist observes the experimental tendencies within the traditions and conventions of cinema which she references in her work. Aleña graduated from the Royal College of Art (MA) in London. She studied at the University of Art and Design in Lausanne (Ecal) and University of Art and Design in Basel (BA). She collaborated with the Architects Herzog & de Meuron in Basel for two years (2013-2015). Resident at the Swiss Institute Rome in 2020 and Swiss Art Awarded 2018, her recent exhibitions include Kunsthalle St-Gallen, Forde Geneva, Galerie Sultana, High Art Paris, among others.
Edward Thomasson makes performances, plays, videos and paintings about the complexity of social and sexual interaction. His work uses song, dance and enactment to describe the ways people come together and try to build relationships. He writes dialogues, texts and lyrics which are brought to life through collaborations with composers, performers, musicians and friends. Thomasson lives and works in London. Solo shows include Chisenhale Gallery and South London Galleries, 2014 and 2011 respectively. He has presented performances at Migros Museum of Contemporary Art, Zurich, Switzerland (2019) Studio Voltaire, London, UK (2019), West Space Melbourne, Australia (2018), DRAF Studio, London, UK (2016), amongst others. Selected group exhibitions include Testament, Goldsmiths CCA, United by AIDS - An Exhibition about Loss, Remembrance, Activism and Art in Response to HIV/AIDS, Migros Museum of Contemporary Art, Zurich, Switzerland (2019). Thomasson has collaborated with Lucy Beech on performance projects since 2007 Together they have exhibited in theatre and exhibition spaces including Tate Britain (2017), Maureen Paley, London (2016), Barbican Theatre (2011).
Ambra Viviani is an artist and Ph.D. candidate at the ZHdK in Zürich. She holds a MA from the FHNW in Basel (2017); is co-founder of the artist-run space Giulietta in Basel (2020-) and collaborates with Lumpen Station (2022-); has been awarded the Albert Friederich His-Stiftung research grant (2021) and the Fiorucci Art Trust grant (2016); has been an artist in residence at CASTRO in Rome (2022), JET-LEG in Munich (2022), the China Academy of the Arts in Hang-zhou (2019), Akademie der Künste in Berlin (2018) and Lasalle College of the Arts in Singapore (2017). Ambra Viviani was born in Naples, Italy. Currently not very based.
Ian Wooldridge lives and works in London and Zurich. He has exhibited and performed at Kunsthalle Zurich (2022); Centre d’Art contemporain, Geneva (2021); Kunsthalle Fri-Art, Fribourg (2020); ICA, London (2019); Istituto Svizzero, Rome (2019); Nuit Blanche, Paris Arts Lab (2019); The Cruising Pavilion, Venice Architecture Biennale, (2018); LUX, London (2018); Folkwang Museum, Essen (2018). And written for Artforum (USA), Frieze (UK), Mousse (IT) and Texte zur Kunst (DE).
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Entengled Events 27.08.–06.11.2022
Sankt Gallen, Switzerland
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Photo: Kunsthalle Sankt Gallen, Sebastian Schaub
Posters: Boris Meister
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film still
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Press text EN
Entangled Events, curated by Céline Matter
In the midst of a pervasive distrust of reality, the field of the perceptible world is becoming ever more closely tied to subjective experience. «Entangled Events» brings together works by young artists active in Switzerland who examine this changing relationship in order to attempt a reconciliation instead of the progressive isolation. The works focus on the potential of not thinking in opposites but with them and in the space between. Through videos, installations and performative moments, the connections and entanglements of individual events are traced. Events, which in the works do not merge into static truths but into a constant process of becoming. The artists document and stage phenomena, demonstrating how singular moments are products of collective relationships while at the same time each collectivity is constituted by singular phenomena. In so doing, the artists draw attention to a shared world and its dynamic configuration.
The new work by Camille Aleña takes as its starting point the story of the encounter between two antagonistic youth groups – Emo and Truzzi – in Rome, which she cinematically condenses into a narrative of its own. The work raises questions about the effect of narration as well as the role of documentation and staging. Mohamed Almusibli similarly uses the imagination to access past events. In the exhibition, a family history that was never documented is transformed into a document of a different kind: photographs generated by AI simultaneously bear witness to the future and a nostalgic past. Through her research-based practice, Camille Kaiser traces the transport of monuments from Algeria to France. Examining and reframing the images, the artist creates a narrative that testifies to the moments in between and illuminates the processes of historical transitions, their tangible and intangible traces. Roman Selim Khereddine negotiates the mediating function of images: In the exhibition, he presents a two-part video work that documents two different yet similar activities of constructing. The attempts at imitation depicted in the work are not merely revealed as deception, but are questioned in terms of their claim to reality in parallel with the artistic activity. Drawing from her research on affects and nudges, Eva Zornio examines emotion as a means of shaping form. In the exhibition, she presents a video and challenges the visitors' behavior through spatial interventions, raising awareness of fields of action in the interplay between emotion and reason. Fields and possible scopes of action are also tested in the work of the art collective Natalie Portman. By means of representation and staging of figures, they exert a formative effect on their surroundings and at the same time render the result of such activating forces visible.
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The Long Watch 19.05.2022
Biel, Switzerland
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Sad eyes posters 01.05.2022
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SAA21 20.09.–26.09.2021
Swiss Art Awards
Basel, Switzerland
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Proximities 25.06.–26.06.2021
Rome, Italy
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Le Champs Courbe 27.05.2021
Lokal-Int Biel, Switzerland
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Les Effarouchés 07.03.–04.04.2021
Genève Switzerland
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Animal crossing 17.02.–01.04.2021
Galerie Sultana, viewing room
Paris, Arles, France
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35 fanton(s) 05.02.–06.02.2021
Arles, France
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hotline 24.12.–28.12.2020
+41 22 518 10 77, Geneva, Switzerland
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Roma Calling Residency 15.09.2020–30.06.2021
Roma, Italy
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Fortnum and Mason for Kasten 28.02.–16.05.2020
Berne, Switzerland
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Tomorrow land 14.12.2019–05.01.2020
Berne, Switzerland
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exhibition view, image © Hayahisa TOMIYASU
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exhibition view, image © Hayahisa TOMIYASU
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exhibition view, image © Hayahisa TOMIYASU
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Press text EN
Dollar Tree (Cat Tails, School Bus,Target, Rain Cover) shows a video clip-like reenactment of four different moments from Marc-Antoine Waeber‘s Florida journey from his childhood. 10 years later, Camille Aleña and Marc-Antoine Waeber travel back to the places of his memories and try to relive them. As they reenact the remembered moments, which have become symbolic units, they acquire a ritual character. They themselves become a form that can be reenacted over and over again, together with others or by others on their own behalf. The sound track unites the videos as a coherent installation and turns them into a second degree memory: the diegetic sound track is superimposed by Marc-Antoine Waeber‘s humming and mixes the snapshot with retrospective memory. Similar to Barthes‘ Eiffel Tower, the ritualized action in reenactment can change its symbolic meaning and become charged with the circumstances of the practice that fills it. The holiday photos presented - through which a subjective view of Waeber is presented in reenactments - serve as potential carriers of new symbolic moments. Through them, a great responsibility is placed in the hands of the visitors, who will be inaugurated at the opening of the exhibition Tomorrow land in narratives on the visual testimonies of the journey that Aleña and Waeber now share as a common memory. In a live presentation of the holiday photos, motifs and stories will be brought into a form that can be carried on by a We.
Tomorrow land is the fourth and final part of Camille Aleña‘s series We Win or We Die, which began in 2017 at Corner College in Zurich with a performative reenactment of a Fribourg ritual, the procession of St. Nicolas. The rehearsal and appropriation of this ritual is the theme of the 2018 exhibition We Win or We Die II at Wallriss, Fribourg: using flute playing, singing and recitation, a video work shows how an interpretation of the material can be developed. An additional focus is on the young people themselves, whose faces adorn the windows of the exhibition space as enlarged photographs. In the installation We Win or Wie Die Again, which was shown at the Swiss Art Awards 2018 and consisted of a video and six portrait posters, this focus is further reinforced: intimate insights into the private lives of these and other young people can be seen: how they practice their instruments, engage in sports and tell stories about their lives. In Marc-Antoine Waeber‘s case, photographs and the memories and knowledge of his parents are also used. Finally, an episode from his life remembered in it forms the basis of the last part of Tomorrow land.
The series We Win or We Die shows youth as a phase of life in which knowledge, skills and rules can be acquired and developed relatively independently of economic integration into society. In a seemingly amateur way, they take the place of the next generation, on whose shoulders the responsibility for the society of the future lies. Nevertheless, in their role they seem to possess a piece of fool‘s freedom, in which they can try out new performances of being and shape them according to their feelings. Similar to Judith Butler‘s subversive shift, this can contribute to a new normality and change the world on a small scale. Tomorrow land transfers the responsibility to all visitors and generates a well-intentioned We. We make every effort and then see how things turn out.
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Pressetext DE
Dollar Tree (Cat Tails, School Bus,Target, Rain Cover) zeigt Videoclip-artig das Reenactment vier verschiedener Momente aus Marc-Antoine Waebers Floridareise seiner Kindheit. 10 Jahre später reisen Camille Aleña und Marc-Antoine Waeber zurück an die Orte seiner Erinnerung und versuchen diese noch einmal zu erleben. Mit dem erneuten Durchspielen erhalten die zu symbolischen Einheiten gewordenen erinnerten Momente rituellen Charakter, sie werden selbst zu einer Form, die wieder und wieder durchgespielt werden kann; gemeinsam mit anderen oder von anderen in eigener Sache. Die Soundspur vereint die Videos als zusammenhängende Installation und macht aus ihnen eine Erinnerung zweiter Ebene: die diegetische Tonspur wird von Marc-Antoine Waebers Summen überlagert und vermischt die Momentaufnahme mit rückblickender Erinnerung. Ähnlich des Barthes’schen Eiffelturms kann die zu Ritual gewordene Handlung im Reenactment ihre symbolische Bedeutung verändern und sich aufladen mit den Umständen der es füllenden Praxis. Die präsentierten Ferienfotos, durch die eine Subjektive Waebers im Reenactment präsentiert wird, dienen als potentielle Träger von neuen symbolischen Momenten. Durch sie wird eine grosse Verantwortung in die Hände der Besuchenden gelegt, die bei der Eröffnung der Ausstellung Tomorrow land eingeweiht werden in Erzählungen zu den visuellen Zeugnissen der Reise, die Aleña und Waeber nun als gemeinsame Erinnerung miteinander teilen. In einer live-Präsentation der Ferienfotos werden Motive und Erzählungen in eine Form gebracht, die von einem Wir weitergetragen werden können.
Tomorrow land ist der vierte und letzte Teil von Camille Aleñas Serie We Win or We Die, die 2017 im Corner College in Zürich mit einem performativen Reenactment eines Fribourger Rituals, dem Umzug des St. Nicolas, begann. Das Einüben und die Aneignung dieses Rituals wird 2018 Thema der Ausstellung We Win or We Die II im Wallriss, Fribourg: Mittels Flötenspiel, Gesang und Rezitation wird in einer Videoarbeit gezeigt, wie eine eigene Interpretation des Materials erarbeitet wird. Ein zusätzlicher Fokus liegt auf den Jugendlichen selbst, deren Gesichter als vergrösserte Fotografien die Fenster des Ausstellungsraums zieren. In der weiterführenden Installation We Win or Wie Die Again, die bei den Swiss Art Awards 2018 zu sehen war und aus einem Video und 6 Porträt-Plakaten bestand, wird dieser Fokus zusätzlich verstärkt: Zu sehen sind intime Einblicke in das Privatleben von diesen und weiteren Jugendlichen, wie sie ihre Instrumente üben, sich sportlich betätigen und aus ihrem Leben erzählen. Im Falle Marc-Antoine Waebers wird dafür auch auf Fotografien sowie auf die Erinnerung und das Wissen seiner Eltern zurückgegriffen. Eine darin erinnerte Episode aus seinem Leben bildet schliesslich die Basis vom letzten Teil Tomorrow land.
Die Serie We Win or We Die zeigt die Jugend als eine Lebensphase, in der relativ unabhängig von ökonomischer Einbindung in die Gesellschaft Wissen, Fähigkeiten und Regeln angeeignet und weiterentwickelt werden können. In noch amateurhafter Art nehmen sie den Platz der nächsten Generation ein, auf deren Schultern die Verantwortung für die Gesellschaft der Zukunft liegt. Dennoch scheinen sie in ihrer Rolle ein Stück Narrenfreiheit zu besitzen und darin neue Performanzen des Seins ausprobieren und ihrem Empfinden nach gestalten zu können. Ähnlich der subversiven Verschiebung Judith Butlers kann so zu einer neuen Normalität beigetragen und dadurch im Kleinen die Welt verändert werden. Tomorrow land überträgt die Verantwortung dazu weiter auf alle Besuchenden und generiert damit ein wohlgemeintes Wir. Wir geben uns alle Mühe und schauen dann, wie es kommt.
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Interpreter II for Frecuencia Singular Plural 25.10.–28.11.2019
Madrid, Spain
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Interpreter 21.09.2019
Aargauer Kunsthaus, Aarau, Switzerland
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We Win or We Die Again for I Know you're out there 27.06.–04.07.2019
21 rue Soufflot 75005, Paris, France
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installation view, We Win or We Die Again 2018, 20min HD video
photo © Flora Citroën
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Press text EN
«I know You’re out there» is a collective show searching for answers to the ideological and systemic collapse.
These explorations paved with love, naïvety and sensuality lean on exercising research for alternatives.
The show talks about ruins and reconstruction, about a generation cultivating hope in despair, and cultivating, in fine, the opposition. In this deserted apartment are exposed crafted artworks highlighting both the action is done and the individual making. Showcasing the handmade appears as a will to go back to some honesty and evokes a generational position hesitating between a progressive and a reactionary society, between opening and contraction, a generation that emphasizes the affect in these in-betweens, affects erected as the ultimate safe space.
The programmed performances take place in the heart of the scenography since they act as the expression of both vulnerability and hope. A way to draw an emotional territory facing the failure of society and a convocation of the viewer to reflect his own constructions.
«I know You’re out there» creates a space for revelations where intimacy is a shelter as well as a place for emancipation: it looks as much at the artwork as at the artist. The presented videos give a place to the artist-author. The latter appears as a character both through the point of view and the reality-fiction tonality; himself/herself is the hook of the story.
These narratives try to establish a link.
The conference cycle is to evoke the main lines of the exhibition and to process and question new alternatives and states of play.
In a landscape of distress, we speak of hope, other possibilities and joy like tools for revolt and refusal.
The show is open by appointment via curatedbylolita@gmail.com
Artists:
Camille Alena, Mehdi Besnainou, Simon Brossard et Julie Villard Gaëlle Choisne, Flora Citroën, Félise de Conflans, Gaadjika et Apollinaria Broche, Hugs’n’Drugs, Thomas Liu, Le Lann Jehane Mahmoud, Johan Papaconstantino, Pauline Perplexe, Liv Schulman, Lisa Signorini, Eden Tinto Collins et Tom Volkaert
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Texte de presse FR
«I know You’re out there» est une exposition cherchant des réponses à l’effon- drement idéologique et systémique actuel. Des explorations pavées d’amour, de naïveté et de sensualité et qui se penchent sur l’exercice au présent d’une recherche d’alternatives. L’exposition parle de la ruine et de la reconstruction, d’une génération cultivant l’espoir dans le désespoir; et cultivant surtout in fine le refus.
Dans cet appartement déserté seront présentées des oeuvres craft, comme un exergue à la fois du geste et de l’individu. La mise en valeur du fait-main apparait comme une volonté de retour à l’honnêteté et met en avant une posi- tion générationnelle qui hésite entre progressisme et réaction, entre ouverture et repli et qui entre ces opposés valorisent l’affect, érigé comme unique endroit de sécurité.
Les performances programmées prennent place au coeur de la scénographie
de l’exposition puisqu’elles agissent comme l’expression à la fois de la vulnéra- bilité et de l’espoir. Une façon de dessiner un territoire de l’émotionnel face à la faillite d’une société et de convoquer le visiteur autour de ses propres construc- tions.
«I know You’re out there» créé ainsi un espace de révélation où l’intime est à la fois refuge et lieu d’émancipation et se penche sur l’artiste autant que sur ses oeuvres.
Les vidéos présentes donnent une place centrale à l’artiste-auteur, il apparait comme un personnage, tant par par le point de vue que par cette tonalité mi-fiction mi-réalité; il est lui même le point d’accroche des scénarios.
Ces récits aux adresses directes cherchent à créer du lien.
Le cycle de conférences prévu évoque les grands axes de l’exposition, invite à discuter autour de l’état de la situation et traite des nouvelles alternatives.
Dans un paysage de détresse, on parle d’espoir, d’autres possibles et de joie comme instruments de révolte et de refus.
L’exposition peut être visitée sur rendez-vous via curatedbylolita@gmail.com
Artistes :
Camille Alena, Mehdi Besnainou, Simon Brossard et Julie Villard Gaëlle Choisne, Flora Citroën, Félise de Conflans, Gaadjika et Apollinaria Broche, Hugs’n’Drugs, Thomas Liu, Le Lann Jehane Mahmoud, Johan Papaconstantino, Pauline Perplexe, Liv Schulman, Lisa Signorini, Eden Tinto Collins et Tom Volkaert
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Canteen II 15.06.–22.06.2019
London United Kingdom
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Playlist for Sylvain Menétrey’s selected video program 14.06.2019
Grand Cafe Basel Switzerland
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Canteen for the Swiss Pavilion 06.06.–16.06.2019
Prague Czech Republic
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Care Matters 10.05.2019
Vienna Austria
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La Mue 01.02.–03.02.2019
Arles France
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video still, Claire un jour Claire toujours 2008
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Texte de presse FR
EXTRAMENTALE souffle ces deux bougies le samedi 2 février 2019 en très bonne compagnie et au sein du Collatéral (Arles), dès 18h.
Initialement conçue pour déconstruire les figures de « l’adolescent » auxquelles sont associées des formes d’errance, de violence, de décrochage vis-à-vis du réel, d’autonomie, de diversité de corps et de genres, EXTRAMENTALE se présente comme un laboratoire, une plateforme de programmation. Sa première mission, tournée vers la recherche ouverte, se double d’une deuxième : faire apparaître d’autres types de formats d’exposition ou d’évènement, plus alternatifs, sur le territoire arlésien par le biais d’alliances avec des structures et/ou des individus.
A l'occasion de ces deux ans, Extramentale invite l'artiste Camille Alena pour penser le thème de la mue : la mue d’une pratique artistique, la mue d’une voix, et donc, d’un certain deuil, entremêlé dans une dynamique d’écriture qui se tourne, souvent, vers la première fois. Claire un jour, Claire toujours est le premier film réalisé par Camille Alena en 2008, alors étudiante. Le film est ici projeté en dehors du cadre scolaire pour lequel il a été produit. La diffusion « parascolaire » de ce film, nous servira de fil conducteur pour explorer, à quatre voix, les thèmes propres à son travail et ceux, en creux, d’Extramentale.
La conférence, animée tour à tour par l’artiste, Margaux Bonopera, Arthur Dayras et moi-même, sera suivie d’un concert d’un.e invité.e surprise dont la voix, travaillée en dehors des cadres habituels, nous rapproche de l’idée de « mues multiples ». Lorsqu’on incarne toutes les héroïnes du monde de la nuit, quand est-il des évolutions propre à chacune de ces figures féminines fantasmées et incarnées?
À PROPOS DE L’ARTISTE ET DES INTERVENANTS :
Camille Alena (*1986, Fribourg. Vit et travaille à Londres) a obtenu un Master un art au Royal College of Art de Londres après avoir été formée entre l‘Ecal à Lausanne et la HGK (Hochschule für Gestaltung und Kunst) de Bâle. L‘artiste collabore avec les architectes Herzog & de Meuron à Bâle durant deux ans (2013- 2015). Lauréate des Swiss Art Awards 2018, ses récentes expositions comprennent : High Art Paris (2018), Wallriss Fribourg ( 2018) Supportico Lopez Berlin (2018) Forde Genève (2017) parmi d‘autres. En 2019 elle sera l'artiste invitée pour le Pavillion Suisse de la quadriennale de Prague. Elle tisse une relation nouvelle à l’art, à la musique et à l’histoire des formes et des médias. Elle développe son travail à travers différentes stratégies et approches tels que le documentaire, le récit, la performance et la création d‘objets. Intéressée à une relation singulière à la musique et à l’image en mouvement, l’artiste observe les tendances expérimentales présentes dans les conventions et traditions du cinéma qu‘elle référence dans son travail.
Née à Kaliningrad en Russie, éduquée en France depuis l’âge de quatre ans, Régina Demina multiplie les cartes et les talents. Comédienne de formation et danseuse, un épisode marquant à l’adolescence développe chez elle une sensibilité aiguisée, une exigence rare et une fascination pour le romantisme noire. Héritières des « anti-lumières » et du glamour savant de Dita von Teese, elle s’attache à placer la collaboration au cœur de ses installations et performances et réunit des artistes pointus de scènes divers. Diplômée du Fresnoy en 2016, Studio national des arts contemporains, elle reçoit le prix des jeunes talents de l’ADAGP pour sa pièce ALMA, Regina Demina a une actualité artistique dense. Elle chante et collabore avec le groupe Music for Eggplant. Elle a également effectué une résidence au Palais de Tokyo dans le cadre de la Manutention. Elle a sorti en 2018 l’EP, « l’Été meurtrier », produit par Marc Collins chez Hwaidan Records, et, plus récemment "Sugar Daddy" : https://www.youtube.com/watch?v=wRf4o772lCw
Margaux Bonopera (*1990, Paris) a été diplômée en 2014 de l’Ecole du Louvre, et du Royal college of Art de Londres, du master de curating en 2017. Depuis 2014, elle entreprend différents projets curatoriaux, souvent collectifs, avec des artistes et curateurs de sa génération dans différents lieux ( SaSa Bassac Phnom Penh, Maison Jean Cocteau, Milly la Fôret, Carousel Londres , Clark House Initiative, Bombay ou encore MoreProject, Marseille). Depuis Juillet, elle a rejoint l’équipe de la Fondation Vincent van Gogh en tant qu’assistante curateur. Elle a également ouvert une résidence artistique dans sa maison à Arles depuis septembre qui s’appelle l’Opéra.
Arthur Dayras (*1993, vit et travaille à Paris) est diplômé d’un double-master à Sciences Po Lille et l'University of Kent (G.B.), ainsi que d’une licence de Lettres Modernes et Histoire de l'Art à l’université Paris-X. Il est aujourd’hui curateur, et auteur, cofondateur de la revue littéraire L'Allume-Feu. Il a travaillé à la rétrospective de François Morellet et à la relance d'un programme de conférences (Discussions in Contemporary Culture) pour la Dia Art Foundation (New York, 2017 et a organisé les recherches pour la rétrospective Saul Leiter (Bunkamura Museum of Japan, Tokyo, 2017) auprès de Pauline Vermare. Il est le collaborateur de Julia Marchand pour Extramentale. Passé par la Fondation Vincent Van Gogh Arles et le Fresnoy, il a dirigé de 2017 à fin 2018 le département économique de L'Œil de la Photographie.
Après des études à Londres, au sein du Master of Fine Arts Curating à Goldsmiths College, et une activité de recherche sur l’art tribal/vernaculaire du sous-continent indien, Julia Marchand (*1986, Reims) rejoint la Fondation Vincent van Gogh Arles en 2015. Elle y signe l’exposition « James Ensor & Alexander Kluge : Siècles noirs », et accompagne Bice Curiger sur de nombreuses expositions, notamment celle collective et thématique « La Vie simple – Simplement la vie » (2017) qu’elles co signent. Elle mène une activité de commissaire d’exposition en parallèle par le biais de sa plateforme de programmation Extramentale. Elle a organisé des expositions et des conférences en France et à l’étranger, notamment à la Swiss Church de Londres, à l’espace culturel Louis Vuitton, Paris, au musée du quai Branly et à Art Basel Hong Kong dans le cadre d’Open Platform, Art Asia Archive, 2013. Elle mène en parallèle une pratique d’écriture de texte monographique pour la jeune création contemporaine et siège aux jurys de prix tels Prix Science-Po pour l’Art Contemporain, Prix des Amis des Beaux-Arts de Paris, Prix Résidence Moly-Sabata / Ville de Saint-Étienne
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La Mue par Arthur Dayras
Les premières impressions peuvent s’avérer trompeuses. Claire un jour, Claire toujours de Camille Aleña est de ces films en apparence anodins. L’œuvre se veut un récit ancré dans le quotidien de cette librairie, 28 ans, empreinte de joie et de quiétude, à la vie sans bouleversements ni fantaisies. La vie Claire tient de l’apparente simplicité, et derrière les apparences se cachent peut-être le fabuleux. L’oralité comme l’imaginaire du conte colorent le récit. Voilà poindre le conte littéraire. Oh certes, Claire un jour, Claire toujours n’est pas une fable, mais plusieurs éléments constitutifs au genre littéraire l’habitent. Dépassons les images. Voilà une œuvre qui se veut l’amorce d’un conte ; le terreau d’un quotidien prêt à être enchanté.
Un conte en porte à faux
À l’inverse de Claire un jour, Claire toujours, les contes sont dès leurs premiers instants en rupture avec l’ordinaire. L’incipit d’un conte installe habituellement un climat trouble, presque l’aune d’une tragédie, du moins une situation sortant du quotidien. Parmi les plus connus, les débuts de Barbe Bleue dans la version de Perrault :
de la vaisselle d’or et d’argent, des meubles en broderies, et des carrosses tout dorés. Mais, par malheur, cet homme avait la barbe bleue : cela le rendait si laid et si terrible, qu’il n’était personne qui ne s’enfuît de devant lui. »
« Il était une fois un homme qui avait de belles maisons à la ville et à la campagne,
Ou chez les frères Grimm, La belle aux bois dormants :
Chaque jour ils se lamentaient : —― « Si nous pouvions avoir un enfant ! » Mais ils ne pouvaient toujours pas en avoir »
Il y a très longtemps un roi et une reine s’alanguissaient de n’avoir pas d’enfant.
Que ce soit les contes d’animaux, les contes de fées ou les contes religieux, le genre est également marqué par la profusion de l’extraordinaire. Une liane de cheveux permet à un prince de monter voir sa belle (Raiponce) ; une saucisse cohabite avec un souriceau et un oiselet naïf (Du souriceau, de l’oiselet et de la saucisse des frères Grimm) ; un chat escrimeur combat les hommes avec roublardise (Le chat botté de Perrault).
Rapportée aux premières lignes structurant fréquemment les contes, Claire un jour, Claire toujours semble dès ses premières secondes éloignées de la forme classique d’un conte. Claire n’est pas confrontée à une situation problématique. Au contraire, bien que gênée devant l’objectif, elle paraît petit à petit guillerette. Son histoire, bien que décousue, ne rencontre aucune adversité. Claire réagit aux questions de Camille, divague, digresse. Elle ne semble pas non plus héroïque. Elle incarne une personne ordinaire, sans être héroïne ni héroïne. Le film se déroule sans transgression sans tragique, sans objet extraordinaire, sans promesse d’un trésor. Il étonne plutôt qu’il émerveille.
Le conte, une clé de lecture de Claire un jour, Claire toujours
Pourtant, Claire un jour, Claire toujours reprend subtilement certains éléments du conte. Claire porte cette robe de princesse, un peu ridicule, un peu attachante, représentant une superhéros toute vêtue de marbre. Ce serait là son héros rêvé, mais en revêtant cette robe, elle évoque également la princesse dans sa robe tachetée de rose. Puis Claire nous dévoile sa vie, et son récit retrouve une des composantes du conte : l’oralité. Avant d’être retranscrits, les contes étaient transmis à l’oral, narrés par des conteurs, et comme les mythèmes, seules leurs racines narratives permettaient de reconnaître un conte parmi les différentes versions transmises d’une bouche à l’autre. Sa vie racontée prend alors des accents curieusement enjoués : « On a déménagé de Fribourg. On a décidé que la campagne nous plaisait. À trois minutes il y a la forêt. Il y a des arbres devant chez nous, il y a un hérisson, on ne sait pas trop s’il hiberne, on aimerait bien... C’est le chant des oiseaux, les cloches des vaches, les moutons. »
Sa découverte de la nature et de la campagne évoque l’un des lieux les plus typiques du conte de fées ― la forêt ― sans toutefois revêtir son danger (tel que dans Le Petit Poucet). De même, sa vie amoureuse mentionnée dès les premières phrases rappelle cette fin typique des contes (« et ils vécurent heureux et eurent beaucoup d’enfants »). Claire vit son quotidien comme un enchantement, elle chante des chansons, elle organise des jeux avec sa famille, elle n’a pas l’impression de travailler. « C’est la place de rêve pour un emploi. Ce magasin a une âme. Je n’ai pas l’impression d’aller travailler » affirme-t-elle. Elle vit dans une euphorie quasiment rêvée, dans un conte de fées finalement bien réel.
Ces différents éléments donnent à penser que le conte n’est ni présent ni absent dans Claire un jour, Claire toujours. Il vient plutôt se juxtaposer au quotidien de Claire. Le conte devient une clé de lecture possible, une coloration légère, joyeuse, qui dit combien le domestique de Claire peut s’enchanter lorsqu’il l’imaginaire le soutient. Mais l’imaginaire du conte est bien plus qu’un univers chantant. Il est surtout un moyen de s’extraire du quotidien, de se replacer à la fois dans l’universel et à travers le fantastique. Dans le conte, l’imaginaire soutient une expérience du passage, il maquille ce que l’on pourrait alors nommer la mue. Il est par essence un espace d’initiation.
Et si le quotidien de Claire est possiblement porté par l’imaginaire du conte, alors ce quotidien devient une sorte de mue. Non pas la mue telle que le passage de l’adolescence à l’âge adulte ; plus simplement, la mue vécue sans nuages ni colères, une progression inachevée, imperceptible, un reflux. La mue, quotidien tout en continuité et en ressacs, où demain devient hier. Les douleurs de Claire, les événements troublants de sa vie n’affleurent pas dans cette mue. Il ressort plutôt de son quotidien un long redéploiement de souvenirs heureux, et combien ces souvenirs la portent jour après jour. Se souvenir peut amener à une forme de mélancolie. Chez Claire, il y a simplement la joie, l’heureuse simplicité de l’être.
La mue est bien entendu l’irruption d’un événement – comme une voix aiguë précédant une voix stable – mais, tout autant la longue période préparant et succédant à l’événement. La mue dans son acceptation large une absence d’événements, comme une continuité nourrie des allers-retours du quotidien avec le passé. Cette idée peut sembler brouillonne, sans preuve rationnelle, naïve même. Cependant, permet de comprendre la vie de Claire, et surtout la manière dont elle se raconte. Le conte peut-être la porte sur un nuage. Et si le conte est une expérience d’initiation, par ses relectures comme par son souvenir, Claire a peut-être déjà passé ses moments difficiles. Souvenirs et promesses l’accompagnent et la transforment sans remous. Le conte devient avec Claire un jour Claire toujours une vague qui porte.
Arthur Dayras, 2019
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La Mue par Margaux Bonopéra
Muer.
Je me souviens de cette période durant laquelle les garçons de ma classe muaient, tous, uns par uns. Leurs voix fluettes devenaient basses. Rauques. Quelque chose était en train de se transformer, de prendre forme, mais ni eux, ni nous, ne savions ce qu’ils allaient devenir.
Muer pour un garçon de 14 ans, c’est changer de voix. C’est devenir une voix. Creuser sa voix. Muer donc. Évoluer. Certainement.
Ce soir nous sommes réunis pour les deux ans d’Extramentale.
Extramentale est une voix qui m’intéresse car elle émane d’une réflexion autour de l’adolescence. Julia Marchand s’efforce ainsi d’explorer alors autant les thèmes propres à cette période de nos vies, mais également les différentes formes que cela évoque, convoque
Extramentale est un objet profondément intéressant dans sa capacité à faire de la forme un sujet et d’un sujet une forme. Et si Extramentale présente des figures adolescentes aussi fortes et puissantes que tous les héros mythologiques qui peuplent notre imaginaire collectif, elle permet également de s’interroger sur le rôle du curateur et de l’artiste en tant que figures adolescentes et donc multiples, inclassables, mouvantes, changeantes, inédites et nécessaires. L’adolescence semble créer ses espaces au sein desquelles les choses peuvent évoluer sans s’effondrer. Au sein d’Extramentale, l’adolescence devient comme l’exposition : un espace/temps d’expérimentations. Chacun y retrouvera ce qu’il souhaite au sein des propositions de cette plateforme. Mais une chose est certaine et nous nous entendrons ; j’en suis certaine, et surtout ce soir, sur l’absolue nécessité de ces espaces tels Extramentale au sein de nos sociétés. De nos villes. De nos quartiers. Je suis ravie ce soir, de pouvoir, à travers cet espace donc, présenter quelques aspects de la pratique de Camille Alena, qui en plus d’être une artiste avec laquelle je travaille, est une amie et partage avec Julia ce tropisme adolescent.
CHAP 1 : LA NARRATION SERA COLLECTIVE OU NE SERA PAS
Bande-son : La Belle et le Bad Boy de Mc Solaar
Cette chanson est la chanson de toute une génération d’adolescent. Dont je fais partie. Et elle parle d’adolescents. Elle parle de cette histoire d’amour entre un garçon « bad boy » et une belle jeune fille L’histoire banale de deux personnages qui se racontent une grande histoire entre les bancs du lycée et les circuits automobiles. Tout va très vite dans cette chanson. Les personnages sont en mouvement. Ils se racontent. La narration, entre réel et fiction est la base du travail de Camille. Et la narration est souvent mise en place dans son travail, par des adolescents et à travers des adolescents.
Lorsque Camille est venue passer une semaine à la résidence, nous avons pris le temps de visionner plusieurs de ses films, cependant, je n’avais pas eu la chance de découvrir Claire un jour, Claire toujours. Réalisée il y a 10, il pose cependant les bases de la pratique de Camille et développe ainsi des outils et des thèmes que l’on retrouvera ensuite tout au long de ses travaux. Et avant tout ce rapport à la narration. Dans ce film, nous sentons que Camille cherche déjà à guider son interprète tout en lui laissant un espace suffisant pour lui permettre de développer son imagination et de s’épanouir. Ici la narration sous couverts de questions revêt la forme d’un film amateur, expérimental, dont le sens nous échappe mais que pour mieux nous intriguer. Je me demande.
M’interroge. La potentialité d’une histoire apparait moins certaine dans ce film que dans ses derniers comme Playlist réalisé en 2018 ou un groupe d’ados qu’elle suit prend les devants sur le potentiel scénario voulu par l’artiste. Ils décident, parlent de ce qu’ils aiment, font, détestent. La proximité et la certaine maladresse qui émane du film de Claire va selon moi de pair avec le peu d’écart d’âge qu’entretiennent à ce moment la réalisatrice/artiste et son sujet. Plus Camille grandit, plus elle mue, plus l’écart se creuse avec ses interprètes et plus la narration devient un territoire dont chacun cherche à s’emparer. Ce n’est pas alors les outils qui se transforment directement mais celui qui les utilise qui évolue. Camille n’a plus 20 ans. L’adolescence comme mouvement perpétuel devient alors le garant d’un élan vital obsédant.
En continuant à créer des films, car c’est le principal médium de Camille, elle a doucement mis en place une narration qui n’existe que partagée par tous les acteurs du projet. Elle se place selon moi ainsi parfaitement à côté de l’écueil de la littérature contemporaine, qui consiste à faire reposer plus de la moitié des romans sur ce style dit de « l’auto fiction », apparu dans les années 70, et plus spécifiquement en 1977 et qui par manque de je ne sais quoi, s’écarte toujours un peu plus de l’imaginaire. Ce style de littérature qui, s’il part d’un postulat imaginaire ne fait que des mouvements en avant pour tenter de rejoindre maladroitement souvent le réel. Camille fait l’inverse, elle part du réel pour ensuite y dissoudre de l’imaginaire. Le réel devient un immense espace. D’évolution, circonvolution, tentations.
CHAP 2 : DES SONORES PERSONNAGES REJOUISSANTS
Bande-son : Tout pour la musique de France Gall
Camille travaille avec plusieurs personnages à la fois. Souvent des adolescents ou de jeunes adultes qui acceptent pendant un moment donné de se livrer, de mentir, dans tous les cas de lier un rapport particulier avec Camille. Les personnages de Camille ont tous quelque chose d’original. Cela est d’autant plus flagrant dans son film : We Win or we Die again, Art Basel, 2018
Chacun des protagonistes fait quelque chose d’exceptionnel. Ils sont dans leur banalité déconcertante au sein de notre société du spectaculaire, des êtres énigmatiques, parfaitement ambiguës, aussi contrariants que rassurants. Je m’imagine parfois que ces personnages sont avant tout le reflet de l’unique perception de l’artiste sur ce que n’a pas été son adolescence. Peu importe. Après tout. Les personnages de Camille
ont quelque chose de spectrale, comme les personnages d’Eugene Green dans son film La Sapienza, 2014. Le frère et la sœur qui sont deux des personnages principaux, semblent devenir au fur et à mesure du film des formes de réceptacles au sein duquel le réalisateur glisse l’ensembles des idées qu’ils souhaitent. Le personnage n’a pas besoin d’être proche de la réalité, crédible et véridique. Il est. Et nous lui feront jouer le jeu que nous souhaitons au sein de notre esprit en retour en tant que spectateur. Les personnages de Camille exercent ce même effet sur nous. Ils sont là, mais changent alors même que je me les approprie. Ils disparaissent alors même qu’ils se fixent sur ma rétine.
Si Camille évolue et ainsi son regard sur les personnages et donc la façon de les présenter, je me demande si ces personnages ont quant à eux assez d’espace pour évoluer ?
J’ai toujours été profondément admirative de la manière dont Camille suivait les personnes avec lesquelles elle décide de travailler. Elle tisse ainsi un rapport. Étonnant avec des gens qui acceptent de jouer avec elle. De lui parler. De s’exécuter. Oui c’est un jeu, ou personne ne sait exactement ce qu’il va se passer. Ni les acteurs, ni Camille, ni le spectateur. Tout peut basculer. Rien ne peut tomber.
On ne peut cependant parler des personnages dans le travail de Camille sans évoquer l’un de ses principaux protagonistse qui est la musique. Omniprésente, liante, structurelle et conceptuelle, la musique dans les travaux de Camille prend différentes formes mais est toujours nécessaire. Il n’est pas rare de voir certains de ses personnages jouer du piano, siffler, former un chœur ou accompagner un groupe de musique. Il me semble que la musique est l’un des éléments les plus proche, les plus lié à l’image de la Mue.
A penser à une mue, je ne peux m’empêcher d’y accoler une musique. Car la musique est composée de mouvement, de notes qui rythment le passage du temps. La Mue condense cela, la mue est une étape du temps.
CHAP 3 : LA FRAGILITE, MA DOUCE, LA FRAGILITE
Il y a en Camargue de nombreuses libellules. A Piémanson l’été, elles volent ainsi tout proche du sol. Et puis à l’automne, dans les Alpilles, il y a des criquets, qui muent eux aussi. Qui se débarrassent de leurs anciennes peaux ou en revêtir une nouvelle. Abandonnant ainsi une enveloppe passée sur une certaine couche de la réalité, les criquets redeviennent ultra poreux. D’une sensibilité extrême, le monde vient se heurter de nouveaux contre leurs corps mous.
Les adolescents, moi adolescente, il me reste des sensations de la sorte. Toujours en train de changer de peau pour trouver celle qui me conviendrait le mieux, je ne suis que fragilité.
J’ai particulièrement aimé le film « playlist » qui, se calant presque sur le rythme d’une série télé, laisse comme déjà évoquer, ces adolescents parler entre eux, tout en se modelant le visage. Je tenais à insister et m’arrêter sur cette notion de
fragilité qui parcours autant l’identité de la plateforme Extramentale, que l’oeuvre de Camille, que l’adolescence ou encore le processus de la Mue.
En échos à notre période contemporaine insistant constamment sur nos capacités de puissance et de force, j’aime à penser que la fragilité est un moyen si ce n’est mieux, plus poétique pour se faire se rencontrer les choses.
Les films de Camille son fragiles car ils ne sont pas tout à fait techniquement au point. Les acteurs ne sont pas de vrais acteurs. Ils viennent d’une communauté secrète que Camille agrandit à chaque nouveau projet. Les films de Camille sont tous ceux que j’aurai aimé réaliser que je ne réaliserai jamais. Ils sont tous ceux où j’aurai aimé jouer et pour lesquels je suis déjà trop grande. Ils sont les images rêvées d’une adolescence que je ne vivrai plus.
Ce n’est pas triste, ce n’est pas grave. C’est ainsi. Les travaux de Camille après tout ne sont pas des vies à vivre mais doivent rester des œuvres à regarder.
Margaux Bonopera, 2019
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Residency 16.11.–26.11.2018
Arles France
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photo © Margaux Bonopéra 2018
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Texte FR
Camille Alena et ses chœurs
INTROSPECTION
Nos grands-parents viennent d’ailleurs. Nos parents viennent d’endroits que nous pensons connaitre, connaissons ou imaginons. Et puis nous venons. Incertains de l’origine, peureux de l’arrivée, nous continuons à faire un pas l’un après l’autre, avec toujours un peu, le risque de tomber.
J’ai toujours adoré, étant enfant, puis au début de mon adolescence, regarder des films avec des personnages de mon âge. Cela a commencé avec un film intitulé « Richard au pays des livres ». A y repenser, il était mauvais. En visionnant l’oeuvre de Camille Alena, « Playlist » (Hight Art Paris, 2018), j’ai ressenti la même émotion que 15 ans auparavant. J’aurai aimé moi aussi, faire partie de ce groupe d’adolescents avec lesquels Camille a travaillé.
L’introspection est un travail philosophique autant que psychologique. C’est un processus de l’esprit qui nous oblige à nous arrêter sur nos états et nos sensations. L’introspection est un exercice de replacement du sujet. Le sujet c’est nous. Enfin, celui qui pense. JE. Celui qui pense … Mais qui pense, Camille, lorsque les personnages arrivent ? Qui pense, Camille, lorsque les visiteurs regardent ses œuvres ? L’introspection n’est plus un travail. Il devient outil.
Moi aussi je voulais en être. C’est donc cela. Camille Alena créé des communautés au seins desquelles les personnes qui y jouent toutes un rôle central sont dotés d’une importance inédite. Camille creuse en eux, va chercher les détails les plus précieux, les trésors les plus coûteux des vies de ses protagonistes pour en faire la matière première de son film. L’introspection chez Camille passe à travers les autres. Ce qu’elle n’a pas vu ou pas vécu, ses héros choisis l’expérimentent pour elle. Ils sont exceptionnels. Les communautés de Camille sont « incluantes », elles proviennent d’une curiosité sincère et d’un regard bienveillant de la part de l’artiste sur les personnes auxquelles elles décident de s’attacher. C’est une introspection négative, remplie par celles de ses sujets, réels ou inventés. Dans ses récits filmiques, aucun détail et aucunes anecdotes n’est ridicules, elles sont toutes importantes et sublimées. Même au risque de présenter un monde à l’apparence trop parfaite.
Il y a des souvenirs qui collent. Qui ont un goûts particuliers, qu’on ne raconte qu’à l’aide d’adjectifs plus précis les uns que les autres pour ainsi tenter d’entre rendre PARFAITEMENT compte. Il y « je », il y a « nous ». Il y a tous ceux qui étaient présents à cette fête, pourtant, « je » ne me souvient que du gâteau par terre.
Dans son film « We win or we die again » (Swiss Art Awards, 2018), on retrouve certains des adolescents rencontrés dans « Playlist ». Ils ont un peu changé. Certains. Les cheveux peut-être. Les adolescents ne sont pas sur-connectés, agressifs, paumés, dépressifs, sexualisés ou violents dans ses films. Non. Ils sont savants, passionnés, généreux et pudiques. Il n’y a rien à dénoncer, mais la réflexion s’active pour le regardeur à chaque fois que l’on se surprend à rire et se projeter. Cette projection, qui se met en route de manière parfois totalement inconsciente est rendue possible grâce aux différents ingrédients que Camille Alena cultive et maîtrise. Il s’agit du montage, qui commence à s’inscrire dans une temporalité cinématographique, délaissant les longs plans propres souvent aux films d’arts. Cela concerne également la mise en place du son et de la musique, car en plus d’être un sujet et un acteur en soit de la pratique de l’artiste, la musique est également souvent, la structure de ses films. Souvent, je n’aime pas les films d’artistes qui font intervenir trop de musique, j’ai peur que cela devienne un clip. Pas avec Camille, car la musique vient à nous manquer si elle disparaît trop longtemps tant elle lie les séquences et les dialogues entre eux.
Camille observe, écoute, comprend ce qu’elle n’a pas, pour le retrouver dans le réel.
Ses productions qu’elles soient sculpturales, picturales, éditoriales ou filmiques sont autant de chapitres créés par l’artiste pour donner vie à des vies qu’elle ne vivra jamais et que seul la pratique artistique lui autorise à développer. Tout dans son travail devient dès lors récit. Camille Alena est un boucher dans les pièces « We Win Or We Die I et II» (Corner College Zurich, 2017 et Wallriss Fribourg, 2018). Elle est également grande intellectuelle dans la veine d’une Anaïs Nin pour la série de vidéos « God, I don’t even know your name » (Curated by Lolita, 2018). Puis elle est aussi chercheuse pour « Manor », (Clark House Initiative, 2016-17), anthropologue (« Orange de Naples », Hard Hat Genève, 2016), programmatrice (« Modern Ace or the seven days radio broadcast », Anti University, 2018)… Camille est tout ce qu’elle ne pourra jamais être.
Les artistes minimaux ont dit qu’il ne fallait laisser aucunes traces autobiographiques dans leurs œuvres. Ils ont échoué. Tony Smith a créé, un cube, de 182,9 cm de côté, en métal, nommé DIE.
RETROSPECTION
En pensée de soi, replonger dans le passé. Voilà ce qu’est semble vouloir dire une rétrospection. On n’autorise jamais les artistes de moins de 40 ans à parler de leur travaux sans que ceux-là fussent taxer de chef d’œuvres ou regroupés sous une période elle-même inévitablement classée.
Camille pourtant est artiste depuis de longues années, et si elle pense l’introspection, c’est avant tout à travers ses productions passées. Ceux qu’elle a oubliés, qui lui reviennent en mémoire d’un coup. Ce sont toutes ces productions, pensées aujourd’hui en rétrospection qui lui permettent de penser l’introspection.
Pourquoi avoir réalisé tout cela? Par intérêt pour les gens sans aucun doute. Lorsque converge de l’admiration et de la curiosité pour une personne, le scénario, la réflexion et la production se met place.
Parfois, on entretient des liens secrets avec des gens morts que nous n’avons jamais connu, ce sont les acteurs de nos pensées intimes. Personnellement, je pense trop souvent à Guillaume Depardieu, je me rappelle de moments que je n’ai jamais vécus avec lui. Dans ces moments-là, c’est comme si j’étais dans état introspectif et rétrospectif d’une vie imaginée. Cela ne veut pas dire qu’elle est fausse. J’ai vécu l’enterrement de Guillaume Depardieu, pourtant je n’y étais pas.
Depuis que je connais Camille, je l’ai imaginée amie avec une autre actrice du cinéma français. Je les imagine prendre le thé et discuter. Je visualise avec quelle panache Pascale essaye de convaincre Camille d’aller danser et comment cette dernière se défend d’être fatiguée. Camille n’aime ni la foule, ni la fête. Pascale, c’est Pascale Ogier. Figure spectrale de la génération Növo, new, last, past, post, emblème des Néo punks en somme. Pascale Ogier est morte à 25 ans.
D’un souffle au cœur.
Ogier était l’héroïne Rohmerienne par excellence. C’est avec Camille que je découvre, grâce au courts-métrages du réalisateur français que l’on regarde un soir à Londres, que celui-ci a tourné une de ses scènes en bas de chez ma mère à Montparnasse. Ca y est, je me retrouve l’héroïne d’un court métrage moi aussi, grâce à ce café, toujours en place. Quand j’y vais, à côté de la station Edgar Quinet, j’imagine que quelqu’un me film, alors je fais attention.
Jarmusch : «"Pascale combinait la plus sensible féminité, la beauté et l'esprit d'un criminel intellectuel. Toute autorité, tout ce que l'on tente d'imposer à votre cerveau lui faisaient horreur et la mettaient en colère. Pas de contrôle sur Pascale. Elle était très sélective, mais seulement pour pouvoir échapper à ce contrôle. On ne rencontre pas souvent une personne aussi jeune et aussi avisée du monde. J'aimais sa culture, je l'aimais, elle : cette façon de se comporter en criminelle. Elle était une personne. Elle était comme personne."
C’est certain à présent, elles auraient été amies. Camille change, évolue, voit les choses en grand. Au printemps, elle présentera une pièce avec plusieurs protagonistes en mouvement, le projet évoluera au fil des jours. Puis, Camille partira avec l’un de ses protagonistes cet été en Amérique amorcer un nouveau chapitre. La Floride. Un rêve possible d’un réalisateur de films. Il n’y a rien d’impossible avec Camille. Le travail n’est pas labeur, le travail chez elle est rêve en développement, enfantement.
Camille laisse cacher ce qu’elle trouve trop violent, trop difficile, car il se pourrait qu’elle aussi ait peur de souffrir. Pour rien. Protéger ses idées, ses acteurs, ses équipes et son entourage, Camille s’y adonne chaque jour, car si ceux-là se retrouvent blessés, alors il n’y aura plus de matière à faire faire et à penser. Le monde doit encore pouvoir essayer d’être parfait, sinon il ne servirait à rien de continuer d’essayer.
© Margaux Bonopéra, 2018
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Playlist for Paris Fashion Week 13.10.2018
Paris France
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God, I don't even know your name-Video Series 04.09.–25.12.2018
Curated by Lolita
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Press text EN
Camille Aleña, God, I don’t even know your name, Curated By Lolita
September 4th - December 25th 2018
Since September 4 th, Lolita releases in a special edition Camille Aleña’s* God, I don’t even know your name* on a weekly basis, to a digital audience. The artist reading a hot and clunky story novel in her against day classically furnished living room is a humorous way -and post-post normcore- of advocating for normality, calling for serenity. She plays down the distress of ordinariness.
With her video series, Aleña strives to make the summer season -and everything that goes with that- last. The set is simple, Aleña herself seated in her Londoner living room, facing camera is reading the short erotic fiction « I would do anything for love » written by Al Bedell*.
Idleness
The reading aloud by the artist operates a deviation from the original story, it raises a barrier to the original text. Erotic writing is usually to create deeper corporal images: words can be stronger, more able to infuse the senses than most of the seen and reviewed images created by the patriarcal pornography. The viewer is not in direct contact with the text but with the reader/ artist, her environment and a musical ponctuation. The projection and identification capacity we usually have as readers is traded off against a pupil passive position. This dispositive creates impatience -we are not used anymore to be read a book- but as soon as we let go, it actually rocks us.
Aleña obstructs by the reading, our capacity to enter the unscrupulous exaggerated and fantasized narrative. She takes her time. She gives us to reconsider the usual duration an audience can allocate to a piece, to extend the time we have for lightheartedness. Bringing the deckchair in her living room until Christmas, she resurrects in her urbain house and in our screens the idleness of a lazy afternoon during summer breaks.
Intimacy
She articulates the English words, does not try to hide her French -actually Swiss- accent, stumbles sometimes over a nominal group, she is home. She reads at her own pace, moves sits from one shot to another showing then her domestic habits… One time, her hair is wet, as she just got out of her shower. In short, we are in her simple, calm, languorously daily intimacy. A realistic homebody intimacy contrasting with the erotic « clunky », « sexy » and « happy »* magnificent purple covered book she is reading. In this double fiction, Aleña points the striking gap between her own supposedly antihero reality and the story read.
Through this contrast, a soft violence emanates from her series. In the whole collection of this book series, New Lovers - even though they are all written by women- there is this editorial slant of depicting strong women as being able to act sexually, with nonchalance; there are these elements we all would love to live back again -or for the first time- the fantasized but nonetheless culturally very well described new generation of women, behaving wildly wacky, the promotion of an unrestraint, reckless, fulfilling passions behavior…
Aleña reassures the audience, staging herself as an ordinary reader, sharing her moment with us, she offers a hand, magically bringing back once a week until Christmas, the summer vibes of dream and quietude.
Flora Citroën for Curated By Lolita
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Press text EN
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God, I don't even know your name-Poster for Note for a Shell 2 30.08.–02.09.2018
Marseille, France
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God, I don't event know your name-Poster, 84x119 cm, photo © Margaux Bonopéra 2018
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Texte de presse FR
Notes for a Shell 2 by More Project - Programme d'actions et performances proposé par Margaux Bonopera
Avec : Aliette Salama, Maxime Rossi, Camille Alena et Mehdi Palmtree
Les performances proposées par les 4 artistes invités se glissent dans les interstices qui s’épanouissent entre les visiteurs, les baigneurs et les
oeuvres exposées dans les cabanons. Ici, les performances et les actions ont moins un rôle spectaculaire que vectoriel, et si un groupe d’individus, élégamment vêtu se jette à l’eau, et si nous pensons reconnaitre notre amour de jeunesse sur un poster, si assommés de chaleur, nous plongeons et que nous aussi nous entendons, il semblerait c’est vrai, des sons, si un drôle de personnage commence à jouer de la musique en nous parlant de voyage, et bien, ET BIEN, cela pourrait nous paraitre tout à fait normal.
En effet, l’objectif de ces performances et de ces actions, sont d’entrer en dialogue à la fois avec un lieu saturé de contraintes, avec des visiteurs plus ou moins attentionnés et enfin de ne pas phagocyter les autres œuvres présentent sur ce territoire.
Les propositions des 4 artistes invités sont « liant ». Elles guident le public à pénétrer l’exposition, comme les éclaireurs, elle balisent le terrain. « Allez-y monsieur, vous ne glisserai pas, et si cela arrive, nous vous tendrons la main pour vous aider à vous relever, on vous le promet ! »
Toutes ces œuvres jouent sur la possible existence d’évènements et de situations qui vraisemblablement impossibles ou absurdes, se révèlent réelles, et nécessaires. Et si c’est l’exposition d’œuvres accrochées qui permet à ces actions d’exister, ce sont ces actions qui permettent à nos pensées, aussi folles soient-elles, aussi étranges soient-elles d’exister un peu plus, collectivement, pendant un moment, sur cette plage.
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We Win or We Die Again 11.06.–17.06.2018
Basel, Switzerland
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Modern Ace or the Seven Days Radio Broadcast 09.06.–15.06.2018
London, UK
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Working Practices 25.05.–22.06.2018
The Show Room in collaboration with Clark House Initiative
London, UK
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Die Gedanken sind frei for Mass X 27.04.–29.04.2018
Berlin, Germany
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We Win or We Die II 08.04.–09.06.2018
Fribourg, Switzerland
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Press Text, EN
In Fribourg, the anniversary of the death of St. Nicholas is celebrated in the form of a procession, where he follows a path from the College Saint-Michel to the Cathedral of the city where he addresses to the people a speech inspired by the events of the past year. He realizes his journey on a donkey, accompanied by the bogeymen and the fifers. Each year, the procession is performed identically, although the main participants have changed.
We Win Or We Die II re-arranges the elements of this tra- ditional event in a particular exhibition game. By diverting them in a certain staging and working by collages, the va- rious works avoid postulating the relationship of fidelity to the traditional event as the axis around which the works are organized. The collage aspect refers to the possibility for a whole to make sense thanks to its parts: here, the interest thus moves on the links between the various protagonists represented through the exhibition and the meaning given by their gathering.
The stained glass windows represent the various partici- pants in this reconstruction and, placed on the windows — that is to say precisely between the «interior» exhibition space and the «outdoor» public space of the street in which the traditional procession took place — insist on the issue of the space in which takes place an event, either traditio- nal or of an art exhibition. The publication presented as a piece proposes a re-writing of the original score played during the procession and proclaims the slogan «We Win or We Die» which brings together the elements present in the exhibition. The projected video dramatizes the various constituent moments in the exhibition presented in the form of recordings, illustrating a link between a «live» art and a mediated reproduction. These games of re-arrange- ments cause movements of meaning and blur the different categories: are these protagonists those of the traditional event of the St. Nicholas or of the exhibition in WallRiss?
Is it a diversion of preparatory moments to the traditional event, or a collage of elements that already incorporate the intention to realize an exhibition? Without a clear answer, the possibility of setting a reference is prevented: it is not then a real past event that fixes the content of the different works but rather the possibility for these moments to take meaning together. In other words, it is a matter of impregnating a certain cognitive space: a space composed of the different wills that create the collaboration.
This opacity, which prevents us from determining the original event and the real intention, allows We Win or We Die II to thus permeate this abstract space which becomes here the basis for the possibility of the emergence of the event. A popular festival or an exhibition presents symbols in such a way that the paradigmatic pieces (costumes, repetitions of symbolic acts in the first case, works of art and particular contextualization in the second) are ob- jects that present by their very content the setting in act of an intention and an original act. But We Win or We Die II, by blurring the possibility of determining a clear inten- tion, fixes the works that compose it as the sole purpose. Thus, the exhibition does not propose an experience of a popular gathering in a new mediation offered by a space of contemporary art nor does it dramatize an event by reconstitution, but rather exceeds these first frames to im- pregnate a cognitive space underlying each collective rea- lization, and reminds us that the basis of any emergence is participation. By integrating elements of reality into a new fiction, the works presented at the WallRiss participate together in a new narrative. By insisting on this storytelling, We Win or We Die II integrates a tradition of a speculative, personified retelling of history.
We Win or We Die II is a solo exhibition of Camille Alena at WallRiss, performed with Emma Antille (vocals, actress), Nicolas Brodard (photo, video), Olivier Fasel (fife, actor), Leo Bulliard (fife, actor), Anna Cavenagh (vocals, actress), Edith Giro Larraz (vocals, actress), Serge Nidegger (silkscreen), Pascal Moret (stained glass), Dan Solbach (graphics), Kathi Hofer (essay), Camille Chanel (translation), George Schreiner ( translation), Cric Print (print), Florian Pittet (sound engineer), Collège St-Michel (costumes).
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Texte de Presse, FR
À Fribourg, l’événement de l’anniversaire de la mort du Saint Nicolas est célébré sous la forme d’une procession, où le Saint-Nicolas suit un parcours le menant du Collège Saint-Michel à la Cathédrale de la ville où il adresse au peuple un discours inspiré des événements de l’année écoulée. Il réalise son parcours sur un âne, accompagné des pères fouettards et des joueurs de fifre. Chaque année, la procession est réalisée à l’identique, bien que les partici- pants principaux aient changés.
We Win or We Die II ré-arrange les éléments constitutifs de cet événement traditionnel dans un jeu d’exposition parti- culier. En les détournant dans une certaine mise en scène et on opérant par collages, les différents travaux évitent de postuler la relation de fidélité à l’événement tradition- nel comme l’axe autour duquel s’organisent les oeuvres. L’aspect de collage provoque un appel sur la possibilité pour un tout de prendre un sens grâce à l’ensemble de ses parties: ici, l’intérêt se déplace donc sur les liens entre les différents protagonistes représentés à travers l’exposition et au sens donné par leur rassemblement.
Les vitraux représentent les différents participants de cette reconstitution et, placés sur les vitres — c’est à dire préci- sément entre l’espace «intérieur» d’exposition et l’espace public «extérieur» de la rue dans lequel s’est déroulé la pro- cession traditionnelle —, insistent sur la question de l’es- pace dans lequel se déroule un événement, traditionnel ou d’exposition d’art. La publication présentée comme pièce propose une une ré-écriture de la partition originale jouée lors de la procession et proclame le slogan «We Win or We Die» qui rassemble les éléments présents. La vidéo proje- tée théâtralise les différents moments constitutifs repris dans l’exposition présentés sous forme d’enregistrements, illustrant un lien entre un art «live» et une reproduction mé- diatisée. Ces jeux de ré-arrangements provoquent des dé- placements de sens et brouillent les différentes catégories: ces protagonistes sont-ils ceux de l’événement traditionnel de la Saint-Nicolas ou de l’exposition à WallRiss? Est-ce un détournement de moments préparatifs à l’événement tradi- tionnel, ou un collage d’éléments qui intègrent déjà une intention de réalisation d’exposition? Sans réponse claire, la possibilité de fixer une référence est empêchée: ce n’est alors pas un événement passé réel qui fixe le contenu des différents travaux mais plutôt la pos- sibilité pour ces moments de prendre sens ensemble. En d’autres termes, il s’agit ici d’imprégner un certain espace cognitif: un espace composé des différentes volontés qui créent la collaboration.
Cette opacité qui empêche de déterminer l’événement originel et l’intention visée permet à We Win or We Die II d’imprégner ainsi cet espace abstrait qui devient ici la base pour la possibilité de l’émergence de l’événement. Une fête populaire ou une exposition présente des symboles en cela que les pièces paradigmatiques (costumes, répé- titions d’actes symboliques dans le premier cas, oeuvres d’art et contextualisation particulière dans le second) sont des objets qui présentent par leur contenu même la mise en acte d’une intention et un acte originel. Or, We Win or We Die II, en brouillant la possibilité de déterminer une intention claire, fixe les travaux qui la composent comme seule finali- té. Ainsi, We Win or We Die II ne propose pas une expérience d’un rassemblement populaire dans une nouvelle médiation offerte par un espace d’art contemporain ni ne théâtralise un événement par reconstitution, mais dépasse plutôt ces premiers cadres pour imprégner un espace cognitif sous- jacent à chaque réalisation collective, et rappelle que la base de toute émergence est la participation. En intégrant ainsi des éléments de la réalité dans une nouvelle fiction, les travaux présentés au WallRiss participent ensemble à une nouvelle narration. En insistant sur cette fabulation et sur une certaine manière de raconter une histoire, We Win or We Die II intègre une tradition d’Histoire incarnée et spéculative.
We Win or We Die II est une exposition personnelle de Camille Alena au WallRiss, réalisée avec Emma Antille (chants, actrice), Nicolas Brodard (photo, vidéo), Olivier Fasel (fifre, acteur), Léo Bulliard (fifre, acteur), Anna Cavenagh (chant, actrice), Edith Giro Larraz (chants, actrice), Serge Nidegger (sérigraphie), Pascal Moret (vitraux), Dan Solbach (graphisme), Kathi Hofer (essai), Camille Chanel (traduction), George Schreiner (traduction), Cric Print (impression), Florian Pittet (ingénieur son), Collège St-Michel (costumes).
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Interlude for MASS III at Archivo Conz 02.02.2018
Berlin, Germany
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Fortnum and Mason for Accept Baby 25.11.2017–07.01.2018
Geneva, Switzerland
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Press text EN
Accept Baby is a winter show. It stages the nostalgic fiction of interiority. Its imagination tends towards an irrational inversion. It draws a double as well as an impossible sorrow; like the passing of a desire, between creation and reception. It is a certain sadness: the belief of one having lost melancholy, when in fact it was only transferred on to the level of form.
The contemporary tries to find its reflection in a historical model that became so estranged, the values that result from it now appear infinitely reversible. The psychological concept of sublimation, in a distancing, became a model that allows everyone to articulate a relation to the artwork. The space will be tender, contemplative, elegant.
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Texte de presse FR
Accept Baby est une exposition d’hiver. Elle met en scène la fiction nostalgique d’une intériorité. Son imaginaire tend à une inversion irraisonnable. Elle dessine un chagrin double et impossible ; comme le passage d'un désir, entre la création et la réception. C'est une certaine tristesse : celle de croire qu'on a perdu la mélancolie, alors qu'on l'a reportée au niveau de la forme.
Le contemporain cherche à se refléter dans un modèle historique qui lui est devenu si étranger que les valeurs qui en résultent apparaissent infiniment réversibles. La sublimation dans l'art, en s'éloignant, est devenue un concept qui permet à tous d'articuler une relation à l’œuvre. L'espace sera doux, contemplatif et élégant.
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We Win Or We Die I for What's Wrong With Performance Art 27.10.–29.10.2017
Zürich, Switzerland
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Barbarian Organ for Histoire Naturelle 14.08.–17.08.2017
Maison Samper, Montvalent Montvalent Festival
Montvalent, France
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Texte de presse FR
Montvalent est un petit village du Lot, la maison Samper est une maison vide de Montvalent. Un jour, Mr Samper nous a proposé d'y exposer nos dernières découvertes. Il savait que nous avions réuni et collecté depuis quelques années différentes histoires et trouvailles. Nous en avons parlé à nos amis qui tous avaient en tête un trésor, rare et unique à montrer. On est tous fiers de nos trésors. Les partager les renforce.
Le premier qui vint vers nous pour nous livrer un secret fut Marc Buchy. Marc était déjà loin, entre la méditerranée et des montagnes éloignées. Il savait qu'il ne pourrait nous rejoindre alors il nous écrivit une lettre. A propos du soleil. A propos de nos distances, physiques et mentales qui sembleraient pouvoir créer d'inédits liants entre les choses. Liens qui régissent inévitablement une exposition. Le second qui décida de nous présenter son trésor fut Samuel Chochon. Samuel connaît bien Montvalent, il y revient souvent entreprendre différentes chasses aux trésors. Il descendit il y a quelques temps dans un gouffre et y trouva un groupe de moines bouddhistes. Cette vision ne pouvait alors n'être livrée uniquement à travers une grotte. Grotte artificielle. Artifices, moyens nécessaires à l'apparition de l'art ? Peut-être ... et comment faire ?
Comment livrer les traces d'une œuvre existante sans la présenter physiquement ? Vincent Humeau a essayé en nous ramenant sa vision et traduction de la Villa des mystères de Pompéi. Villa aux milles regards qui s'activeraient grâce aux visions extérieures de personnes qui la visitent. Vincent après une enquête méticuleuse a décidé de nous en livrer les formes qui lui semblaient nécessaires. Nécessité des formes. C'est également le point de recherche de Ramona Güntert. Ramona a extrait des formes invisibles qu'elle a su trouver dans son imaginaire en pensant à la maison Samper. Agrandis, découpés, assemblés, réunis et accordés, les éléments de notre réalité sont alors livrés à l'éloge du doute. Douter. Le doute est le moteur d'investigation pour Matthieu Lor qui présente des photographies d'un lieu abandonné nommé le Bokor située sur la montagne de l'éléphant au Cambodge. Ce lieu, tour à tout Casino, base militaire, décors de cinéma ou lieu de rave party est aujourd'hui vidé. Le Bokor ne révèle rien de lui même, il faut partir creuser son existence pour espérer y trouver des morceaux d'histoires. Histoires telles celle de Monsieur A, employé sur le nouveau site du Bokor qui livra à Matthieu une vision particulière et singulière de sa vie au sein de ce plateau.
Histoires qu'elles soient grandes, individuelles ou mythologiques sont autant de points de départs pour Martin Rahin qui s'est plongé dans le mythe de l'Atlantide afin d'en extraire quelques découvertes particulières. Il y a trouvé un assemblage sous forme de labyrinthe composé de peintures et photographies. Regroupées au sein d'une niche, l'ensemble des productions de Martin souhaitent révéler quelque chose, sans doute délivrer un message, ou peut-être juste être et rester là pour signifier. La notion de signification est également l'une des idées principales dans l'œuvre de Pierrick Mouton qui est parti à la découverte de l'une des plus grandes collections d'art Vaudou de France. Son film est cependant entrecoupé d'extraits d'autres vidéos qu'il a réalisé lors d'un voyage au Bénin afin d'articuler un dialogue entre une certaine vision de ces objets usuels préservés au sein des collections françaises et le rôle que peuvent jouer encore ces fétiches chez certaines sociétés africaines.
Jouer des rôles, Camille Alena en joue, parfois même sans s'en rendre véritablement compte. Elle joue pour nous raconter les personnes qu'elle rencontre. Le film de Camille nous fait osciller entre différentes émotions et nous renverse. La tête à l'envers, les perspectives sont bouleversées et notre relation au monde modifiée. Pour le mieux, certainement. La tête renversée. Aliette Salama a laissé trainer ses yeux, ses oreilles et son téléphone afin de glaner différentes images et évènements qu'elle a trouvé au détours d'aventures dans différents endroits. Depuis qu'elle est arrivée à Montvalent, Aliette est au aguets et a gardé jusqu'ici tous ces secrets afin de nous les ramener, rares mais peu fragiles, ils patientent calmement.
Patienter. Acte de ralliement ou de séparation. Action qui creuse les distances. Les distances de notre réalité ou celles que nous créons. Joshua Leon les a explorées et nous les rapporte. Joshua calcule également les espaces et interstices qui structurent nos liens. L'outil de mesure utilisé est ici la voix, accidentée qui sort ou s'empare de nous pour livrer une narration. Il calcule aussi les durées qui prodiguent leurs caractères « static » aux actions que nous nous autorisons ou non à entreprendre. Se mettre en mouvement ou rester. Rester pour ?
Rester pourquoi pas pour écouter. Ecouter les différentes strates invisibles ou visibles qui composent notre environnement. Dans le jardin de la Maison Samper, Louise Pons, Lola Lextrait et Theo Rota ont installé leur laboratoire, fosse d'orchestre et cinéma. Ils sont partis à la recherche de tout ce que recèle de trésors et énigmes la vie souterraine de Montvalent. Il se pourrait qu'on y trouve des choses extraordinaires. ...
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Degree Show 23.06.–02.07.2017
London, UK
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The True Story of Françoise or The Seven Days Radio Broadcast 10.06.–16.06.2017
London, UK
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(soundcloud: )
(soundcloud: )
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Love hurts 15.02.2017
Lausanne, Switzerland
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Manor 28.11.2016–09.01.2017
Bombay, India
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Orange de Naples 16.09.–13.11.2016
Geneva, Switzerland
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Script part 3 EN
On the one hand he was very very confident with his kind of music.
And this combination, because I have asked Michael once, about how everything was going with Hans Joachim, and he told me: he always had this spherical sense.
The combination was good, and Möbi always had his in a way peculiar and strange sound to add in his way.
They were working together for two or three years, this was when they were Cluster, they once played at documenta in Kassel, we went to see them.
We also held parties, Whitsunday parties, and once they played there on the stage back there on the lawn.
And there used to be Kraan here from the neighborhood, they also used to visit as well as Mani Neumeier, although he was rather a guest of Möbius.
That's another story, this combination, from Guru Guru and the guys.
Mani is also a strange guy, they played often together and we held many Whitsunday parties here in Forst and a lot of music was played.
"Die Dissidenten" also visited once, and that was beautiful, the weather was very warm and the stage was right in the middle of the farm.
It was beautifully organized with many artist groups.
That was Yärri again, our farm chief, he was still great, though.
The way he organized it was sensational, also in terms of food and drinks, it was exquisite.
And in the night, we really thought ourselves in Africa, with the music, it was really really beautiful.
I have to add, that Möbi didn't feel the stress in this sense, because he handles it differently, also regarding the past.
But he also went into the city once, because they didn't really have a livelihood, like Cluster for example.
They did have to go out into the world, from here, and start fresh.
Möbi, for example, had also met his wife Irene, he worked at the movies in the scenery department.
He never stopped making music, but his break-through came later In Achim's case it was exactly the same.
I think it was meant to be this way, I think he also had to start fresh somewhere else, to express himself and his music in the way that he wished.
At this moment, it didn't work together as well as it did before, after this period.
But it doesn't mean anything, because everything works again, at some point.
It's so beautiful here, it's incredible.
A long time before, they worked together, and after that Michael worked upstairs.
With his instruments in his living space, and from there he... Michael is somebody who works very precisely.
And very accurately, and concept-based and he overburdens himself often with his way of working, but that's just who he is.
That's him.
Everybody was for themselves. They had shows together, but everybody prepared themselves alone.
For example Möbius, he was always very easy as he always had his little equipment and he didn't have to prepare as much.
He was different, it was in a way that was given to him.
That doesn't mean that Moebius was missing something, he also was a thoroughbred musician, but he had found a way that worked for him, that was in his nature.
And then he went on the road again, for several days... and he caught a cold on the Japan tour.
And he had to work so much, but he couldn't help doing but 100% that's just how he is for his music and subsequently also his success.
Moebius had a different approach, but when they were on stage together, they were somehow both equal.
There are people that are good at improvising, and there are people that have to prepare a lot.
Now everyone does his own thing. Achim lives his life in Austria.
Michael und Möbi, they also were Harmonia, they found a way to work together again in the end, thank God.
But in between, there was always tension at some points.
When it fits very well, then of course wives become also a factor, families are built and everything has its influence.
Life itself changes too and we experience new things, also in terms of how music can come together.
Things happen like this, one prepares himself more than the other... Möbi always stayed true to himself .
He needs very few things, but in the end and also during his Mallorca stays, he produced a lot of new material.
And then came Eno, right? And they did the big water.
It really fit the Zeitgeist.
I mean, he was also inspired by being here, and the mood of the people.
It was ultimately also stimulating.
And then they also did a beautiful thing.
He was also singing there.
That touched me the most.
I was also a few times in Austria, also with Möbi.
But they didn’t have such a good connection in the end.
And then you’re in between, because I like them.
Then there’s the wife and the other, it was always so difficult.
If they only had other wives, but they had these wives.
I also can’t say they were bad wives.
But without these wives it could maybe have been more relaxed.
No one’s like they have to go to the last ... one can also give in, give the right of way.
Or you can also lead things into a different direction, one can discuss things.
Actually everything is possible, if everybody takes part. If there’s only one, he’ll alway hit a wall.
In the early days we were also too impulsive and didn’t have the capabilitiy to solve
things calmly.
With Achim we were also ranting when we were amongst ourselves, he was of course also good at it!
But now he’s of course also different.
He could also get very upset!
But it’s also something that has to do with being young and reacting spontaneously.
We always had Gerri here, who addressed it, and then the others joined.
They knew each other from Norddo... Dodau, I think, that’s where they were in touch, also with the potter, and the musicians, Cluster.
And then they came here together and we also got to know each other, but then some things went awry, the initial conditions.
In the beginning everybody was easy, but then it had to be distributed differently. Everybody was like „this is the Rother house now“ and „this is Karin’s house now“.
But then it came out that only one was to sign the contract and whoever signed it also tried to use this to his advantage in times of conflict.
That’s how tensions arose.
Sub-contracts were supposed to be made.
But for example for Michael it was always his house that’s all on leasehold, even if someone else ...
Back then only one could sign the leasehold with the Braunschweig foundation, and everything else had to be dealt with amongst ourselves.
It would have been nice if we could have stayed here altogether. And the roots of this story.
And with this music.
Pity that Michael is not here.
Yes, but I’ll definitely come back again!
Yes, he’ll be happy. And he loves such pretty girls. He’ll probably like you.
He’ll probably like you very much.
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Texte de presse FR
Hard Hat est heureux de présenter la première exposition monographique de Camille Aleña.
Camille Aleña (*1986, Fribourg. Vit et travaille à Londres) tisse une relation nouvelle à l’art, à la musique et à l’histoire des formes et des médias. Elle collabore via Skype avec Molly, une musicienne siffleuse californienne qui performe pour elle des morceaux sifflés. Elle se rend à Forst, un village allemand sur les traces du groupe de musique Harmonia qui s’y était établi dans les années 1970. Elle observe les employés d’un zoo qui anime un show avec des rapaces et de la musique pop.
La vidéo de l’installation Orange de Naples se divise en trois parties : The Girl With the Sun in Her Hair, Les Demoiselles, et Harmonia. Ces séquences sont issues de rencontres fortuites et/ou de rendez-vous pris avec les protagonistes. Visitant par hasard un petit zoo dans la campagne au nord de Londres, Camille Aleña a été surprise par le fait que les exhibitions d’animaux sont accompagnées de musique ambient. Elle filme deux jeunes femmes qui présentent avec une voix mécanique le show de rapaces. Le titre de ce premier segment reprend le titre d’un morceau du compositeur britannique John Barry réalisé pour une publicité de shampoing.
Via Skype, l’artiste entretient une relation avec Molly, une artiste siffleuse qui vit à Los Angeles, puis également avec son ancienne colocatrice Philippa retournée au Chili. Les deux femmes ont réalisé des films dans leur quotidien en dialogue avec Camille Aleña, cette dernière leur a donné des indications par internet tant pour la direction d’acteur que pour le choix des plans. Les Demoiselles, titre de la deuxième partie de la vidéo de Orange de Naples, est le titre d’un morceau du groupe allemand de musique ambient Harmonia.
Harmonia est justement le titre et le sujet de la troisième et dernière partie de Orange de Naples. Camille Aleña est entrée en contact avec d’anciens membres du groupe mythique que Brian Eno avait intégré. Ayant choisi le petit village de Forst dans le nord de l’Allemagne pour y vivre en communauté dans une ancienne ferme historique, les membres du groupe avaient installé leur studio d’enregistrement sur place. L’artiste va à la rencontre des membres de la communauté qui y résident toujours et récolte leur témoignage sur l’activité d’Harmonia.
Intéressée à une relation singulière à la musique et à l’image en mouvement, l’artiste observe les expérimentations d’une certaine histoire du cinéma avec laquelle elle tisse des liens. Les dompteuses de rapaces font écho à l’un des premiers films de Ken Loach, Kes (1969) dans lequel un enfant défavorisé et rebelle entre en relation avec un faucon qu’il dresse. L’épisode Les Demoiselles, en plus de citer un titre d’un morceau d’Harmonia, évoque en creux le film musical de Jacques Demy, Les Demoiselles de Rochefort et le duo de femmes légendaire. La relation aux deux femmes filmées que Camille Aleña met en scène semble également redevable à l’œuvre filmique d’Eric Rohmer, une autre référence importante pour l’artiste. Dans l’installation Orange de Naples, le siège qui accueille le public, dans cette version une balançoire rouge, évoque la campagne de la première partie de Quatre aventures de Reinette et Mirabelle (1987) intitulé L’Heure bleue.
Formée en art à l’Ecole cantonale d’art de Lausanne (Ecal) et à la Hochschule für Gestaltung und Kunst de Bâle, Camille Aleña a collaboré deux ans avec Herzog & de Meuron à Bâle au département Recherche et Archives et suit actuellement une formation Master au Royal College of Art de Londres. Après des participations à des expositions au Centre culturel suisse de Paris, à Goldsmith College, Londres, au Musée des Beaux-Arts de Cambrai, à Wallriss, Fribourg et pour la cérémonie des Swiss Art Awards à Bâle. Avec Tristan Lavoyer, elle élabore un programme radio de 72 heures, Lascivious Stories pour Anti University à Londres. Orange de Naples constitue la première présentation monographique de l’artiste.
Orange de Naples 2016, Vidéo HD, 33 minutes, couleur et sonore
Siège suspendu
Edition de 2 + 1 E.A.
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Musical performance 13.06.2016
Basel, Switzerland
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Lascivious Stories or the 72hrs Radio Broadcast 09.06.–12.06.2016
London, UK
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Girls Want To Be With The Girls for Macaroni 03.06.–02.07.2016
Fribourg, Switzerland
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Press text EN
Macaroni
In Mario Perniola’s The Sex-appeal of the Inorganic (2004) the Italian philosopher invented a new ontological category, that of a «thing that feels». This entity distances itself from the duality of the subject, which is doted with sensitivity whereas the ob- ject has no trace of it. This thing feels, but in an impersonal manner, without affect. Its experience is nonetheless sexual in nature. The feeling thing caresses, licks, suc- ks, fucks ; but rather than attaining orgasm it remains in a state of permanent tension, like a loop of techno trance that plays on inde nitely. It’s a matter of neutral and in- variable sexuality that goes through complete abandonment of the self – an abandon- ment that must by all means be reciprocated otherwise it would be reduced to simple S&M role play.
Speculative as they may be, these things that feel recall technoscience projects which contribute to blurring the borders between biological and synthetic, natural and contrived. Intelligent membranes react to external stimuli and can adapt to their en- vironments like organisms. Chips latch on to bodies and enhance them. A new mu- tant sensuality that has barely been explored emerges from this aesthetic and beha- vioural mimicry.
Traditionally, alienated social groups – women, gays, Blacks, etc. – had to make them- selves into subjects in their struggle for emancipation. Subjects alone have the ability to write their own histories and to take their destinies in hand. Yet in Cyborg Mani- festo (1983), feminist philosopher Donna Haraway proposes a counter-version. Taken as a prototype of a thing that feels, the cyborg topples the dominant order through an identity negation process and an objecti cation of the subject. «Shape-shifting, these interfering cyborgs might craft a diffracted logic of sameness and difference and utter a different word about reproduction, about the link between science and tomorrow, from the collective actors in the eld.» By the means of the electronic circuits that al- low it to connect, the cyborg surpasses the dualisms by the diffraction that creates a unique uid and mutant gure rather than through af rmation.
These points act as this exhibition’s starting line, a line which doesn’t aim to cele- brate posthumanity but rather adopt a queer perspective when faced with techno- capitalist power. This system strictly governs body and spirit. Control is exerted in a diffuse and invisible manner, examples being the consumption of contraceptive pills, Viagra, mood stabilizers and many of the various chemical compounds that regulate and simulate our biological functions. In parallel, the market system constantly de- mands our attention and grabs our libido, leading to a general sense of discomfort that manifests itself in chronic melancholia and political apathy.
Macaroni reveals the links between objects and bodies resulting from this double process at the heart of technocapitalist engineering. Products of this equivocation, the works presented are situated at the point of convergence of the organic and the inanimate, of the object of desire and the desiring object. Shapes and materials incite erotic associations and visceral responses leading to a series of potentialities going from coldness to lasciviousness, from the clinical to the toxic or from prudery to ex- hibitionism. Through these images, surfaces and seductive or grotesque objects, the exhibition aims to engage the viewer like a mirror
re ecting the image of a thing that feels. Or the image of what Jacques Lacan calls a macaroni : a hole of
desire surrounded by dough.
Sylvain Menétrey
Translation: Alexandra Lawrence
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Texte de presse FR
Macaroni
Dans son livre Le sex-appeal de l’inorganique (2004), le philosophe italien Mario Perniola invente une nouvelle catégorie ontologique, celle de la « chose sentante ». Cette entité s’écarte de la dualité du sujet doué de sensibilité et de l’objet qui en est dépourvu. Cette chose sent, mais de manière impersonnelle, sans affect. Son expé- rience est pourtant de nature sexuelle. La chose sentante caresse, lèche, suce, baise, mais au lieu d’atteindre l’orgasme reste dans un état de tension permanent, comme un pic de techno trance maintenu indé niment. Il s’agit d’une sexualité neutre et in- variable qui passe par un abandon total de soi, abandon qui se doit d’être réciproque sans quoi il serait réduit à un jeu de rôle SM.
Toutes spéculatives soient-elles, ces choses sentantes entrent en résonance avec le projet des technosciences qui concourent à brouiller les frontières entre le biolo- gique et le synthétique, le naturel et le construit. Des membranes intelligentes réa- gissent aux stimuli externes et peuvent s’adapter à leur environnement tel des orga- nismes. Des puces se greffent sur le corps et l’augmentent. Une nouvelle sensualité mutante encore peu explorée naît de ce mimétisme esthétique et comportemental.
Historiquement, a n de s’émanciper, les catégories aliénées – femmes, gays, Noirs, etc. – ont dû se constituer en sujet. Seuls les sujets sont à même d’écrire leur his- toire et de prendre leur destin en mains. Dans son Manifeste Cyborg, la philosophe féministe Donna Haraway propose pourtant un contre-modèle. Prototype possible d’une chose sentante, le cyborg ébranle l’ordre dominant par un processus de néga- tion de l’identité et de réi cation du sujet. « En changeant de forme et de système, les cyborgs interférents peuvent créer une logique diffractée de l’identité et de la dif- férence, et énoncer une parole différente au sujet de la reproduction, du lien entre science et avenir, venant de la collectivité des acteurs de terrain ». A travers ses cir- cuits électroniques qui lui permettent d’entrer en connexion, le cyborg dépasse les dualismes, non pas par l’af rmation, mais par la diffraction qui élabore une gure singulière, uide et mutante.
Ces discours servent de point de départ à cette exposition, dont le but n’est pas de cé- lébrer un post-humain, mais d’adopter une position queer face au pouvoir technoca- pitaliste. Ce système encadre de manière stricte nos corps et nos esprits. Le contrôle s’exerce de manière diffuse et invisible, au travers de prises de pilules contraceptives, de Viagra, de régulateurs d’humeur et d’autres composés chimiques qui réglementent et simulent notre fonctionnement biologique. En parallèle, le système marchand sol- licite continuellement notre attention et capte notre libido jusqu’à l’écœurement, source de notre mélancolie et de notre apathie.
Macaroni révèle des rapprochements entre objets et corps résultant de ce double processus au cœur de l’ingénierie technocapitaliste. Produits de cette équivoque, les œuvres présentées se situent au point de convergence de l’organique et de l’inorga- nique, de l’objet de désir et de l’objet désirant. Formes et matières incitent à l’associa- tion érotique et à la réponse viscérale, induisant une série de potentialités, allant de la froideur à la lascivité, du clinique au toxique ou de la pudeur à l’exhibitionnisme. A travers ces images, ces surfaces et ces objets séduisants ou grotesques, l’exposition cherche à interpeller le visiteur tel un miroir lui renvoyant son re et de chose sen- tante ou de ce que Jacques Lacan appelle un macaroni : un trou de désir avec de la pâte autour.
Sylvain Menétrey
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Pimlico Palazzo for Francis Baudevin 21.05.–04.09.2016
Cambrai, France
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Script FR
MARGARET : Pour commencer, voici un texte très court au sujet de Page Street. Et voici les dessins
CAMILLE : Très joli.
MARGARET : Avec un plan typique. Il y avait beaucoup de blocs , vous voyez, c’est un site de ce genre. Et ensuite très peu, pas beaucoup, juste ces photos en partie parce que tout avait déjà été construit au moment où le livre est paru, vous voyez ce que je veux dire? Je n’en suis pas certaine. Je pense qu’ à cette époque, tout le monde était complètement fasciné par Lutyens, c’était en 81. Les personnes n’étaient certainement pas fascinés par son travail dans les années 1930 ou même les années 40. Le mouvement moderne était en plein développement, vous comprenez? Mais dans les années 70, il a eu un changement, un vrai changement, vous voyez ? Je pense que depuis cette opinion est restée relativement stable. Je crois qu’ aujourd’hui encore les gens pensent qu’il est l’un de nos architectes les plus importants, vous savez comme Christopher Wren par exemple. Je suis certainement de cet avis aussi.
J’ ai tout d’abord étudié l’histoire de l’art à l’institut Courtauld. J’ai ensuite travaillé bénévolement au Royal Institute of British Architects où ils avaient une collection de dessins, vous savez? Ils avaient beaucoup de croquis de Lutyens. En fait presque tous ceux qui existaient encore. Leur nombre avait été alors réduit. Lorsqu’il est mort le nombre de dessins existants était de 86’000 mais RIBA en a gardé que 3000. Nous pourrions penser aujourd’hui que c’est une chose terrible mais à cette époque, en 1963, personne ne considérait vraiment les dessins d’architecture comme un élément important du travail. On considérait éventuellement des dessins du 17ème siècle ou de la Renaissance mais certainement pas des dessins d’architecture du 20ème siècle, vous savez? Ce qui est vraiment dommage car beaucoup ont été perdus. Il y avait dans tous les cas ces 3000 dessins survivants. Ils m’ont demandé de les cataloguer, ce que j’ai fait pendant environ 3 ans et c’est comme ça que j’ai découvert son travail.
CAMILLE : Ah oui et donc vous le connaissez relativement bien, j’imagine.
MARGARET : Oui c’est ça, exactement. Et depuis, en 1991, un groupe dont je faisais partie et qui était très intéressé par Lutyens, organisait une exposition très importante à la galerie Hayward. Il y avait dans les années 70 un très grand intérêt pour l’architecture arts and crafts qui progressait de plus en plus. Nous pouvions observer que les étudiants, particulièrement ceux de l’ Architectural Association étaient vraiment passionnés par ce mouvement. Nous pensions alors que ce serait une exposition intéressante. Ce qui a été le cas, elle a été très populaire. Aussi parce que les étudiants appréciaient beaucoup ses maisons. Quelques années plus tard, nous avons fondé une association qui s’appelle The Lutyens Trust qui est une organisation caritative à travers laquelle nous organisons des événements, des visites et ce genre de choses et pour laquelle nous avons des membres. C’est plus ou moins ça, vous voyez ?
A l’intérieur de la cour, c’est relativement différent parce que ces éléments s sont en béton. En fait, c’est assez similaire à beaucoup de modèles de logements sociaux hollandais, n’est ce pas ? Mais là encore, vous voyez, il incluait ces petits magasins et les entrées principales avaient toujours de beaux détails classiques
C’était assez intéressant, l’association The Lutyens Trust avait organisé une visite guidée du complexe. Et en voici la description qui vient en partie du texte de ce livre. En partie de là, mais Paul avait également édité cette petite chose. Donc vous pouvez voir que c’est relativement tôt, n’est ce pas, 1930. Mais évidemment la construction a durée plus longtemps. Les deux premiers blocs ont été terminés à ce moment-là. Aussi, ce complexe est vraiment bien situé, vous voyez c’est presque orienté vers le sud ouest et il n’ y a pas de face nord désagréable.
Bloc standard, 96 appartements, etc… Il y a vraiment une grande subtilité dans son travail.
Ici par exemple, c’est une base de pierres, n’est ce pas ? Et ensuite il y a cette très belle entrée, typique de Lutyens, n’est ce pas ? Et aussi sur l’autre bloc. Mais ici il ajoute encore une longue bande de pierres comme pour solidifier le bâtiment, vous voyez ? Il a également inclut ces clés de voûte à la façade de briques. Tous ces détails sont fascinants.
CAMILLE: Oui, absolument.
MARGARET: Il ne s’agit pas d’un simple bloc, vous savez, tout est subtilement travaillé. Par exemple, les fenêtres deviennent de plus en plus étroites en prenant de la hauteur et puis aussi les damiers.
CAMILLE: Exactement.
MARGARET: J’ai le sentiment que ça a été ignoré parce qu’il y avait vraiment très peu de textes à propos de Page Street. Je crois qu’ils ont pensé, dans une certaine mesure… vous savez les damiers… les gens pensent que c’est un peu étrange. Ils pensent que c’est un peu étrange, oui.
Pour lui, il n’y a malheureusement plus aucun écrit de ce qu’il en a dit. J’aurais souhaité qu’il ait parlé à ce sujet mais manifestement ce que l’on peut dire c’est qu’ il désirait davantage de variété. Il a toujours été contre… Laissez-moi vous montrer quelque chose d’intéressant. Voici l’index de ses lettres, vous voyez ? Il avait probablement été consulté par le programme de reconstruction d’après guerre et ce qu’il détestait était l'amoncellement de ce tout. Il disait ce qui nous attend semble hideux et inconfortable ainsi que des millions de logements construits par un gouvernement qui ne peut que travailler avec des compromis, etc. etc. Donc il avait manifestement déjà pensé à l’idée de logements sociaux mais il n’a jamais été mandaté à part pour Page Street - On ne lui a en fait, jamais demandé de faire quoi que ce soit. Mais vous voyez, je crois que l’idée des damiers, pour lui était un élément qui aurait pu créer une rupture avec la monotonie du modèle traditionnel en briques des logements sociaux. Vous voyez, il savait, il avait beaucoup de connaissances, il connaissait très bien les modèles importants allemands, où il y avait de merveilleux logements sociaux d’ailleurs. Mais il n’aurait pas souhaité quelque chose comme ça. Il détestait tout ce qui était répété sans arrêt, les grands blocs sans proportion. Et vous savez, comme je l’ai dit, il aimait changer les proportions des fenêtres lorsqu’elles prenaient de la hauteur. Il y avait beaucoup de subtilité dans son travail, ce qu’il ne voyait pas dans ces grands bâtiments sans détail. C’est selon moi pour ça qu’il a créé ces damiers, j’en suis certaine, même si je n’ai aucune preuve pour ça.
Il est l’un de nos plus grands architectes
CAMILLE: Peut-ont voir des images de l’intérieur ?
MARGARET: Non, nous n’en avons aucune. Je suis sûre que vous pourriez y aller. Le plan des appartements, c’est écrit ici… Ils étaient séparés… Les cuisines servaient à séparer la salle de bain du reste de l’espace. Apparemment les locataires ne souhaitaient pas avoir de lavabo dans l’appartement. Il est écrit aussi, que la cuisine était séparée de l’entrée et pas de la salle de bain. Ils ont eu par la suite leur salle de bain séparée, et ainsi de suite. Il aimait beaucoup les damiers, vraiment beaucoup, il les utilisait souvent.
J’ai écrit ça, il y avait deux blocs qui on été achevés en 1930, puis les autres petit à petit. Mais là c’est lorsque les premiers ont été terminés. Vous pouvez avoir ce papier si vous voulez. Ce ne sont que quelques notes.
Il avait un grand studio à Londres ainsi qu’un autre à Delhi. Mais il imaginait tout lui-même. Il n’a jamais été question de laisser un de ses assistants créer quelque chose. Ils étaient habitués je pense, ils pouvaient peut être proposer un détail ou autre chose mais ils devaient toujours lui montrer d’abord. Cela marchait comme ça !
CAMILLE: Je vois.
MARGARET: Les magasins sont importants, presque aucun des logements sociaux que l’on connait ne possède des petits magasins comme ceux-ci. C’est merveilleux qu’il les ait intégrés.
Je n’ai jamais vu d’images de l’intérieur, ça serait vraiment bien d’en voir, n’est ce pas ? On peut observer que certains éléments on été modifiés, particulièrement les cuisines et les salles de bain. Mais je ne pense pas que ces pièces… le salon par exemple, ont été modifiées. Ce serait bien de voir les cheminées, les fenêtres, ce genre de choses, vous savez? Ça serait vraiment merveilleux de voir ça.
CAMILLE: Si j’ai la chance de pouvoir y aller et prendre quelques photos, je vous les enverrai.
MARGARET: Ca serait vraiment vraiment bien.
Vous êtes une personne très sérieuse et ils le savent…ils doivent sûrement savoir que ça a été créé par Lutyens, vous savez? Je vais probablement travailler sur un livre. Je vais me concentrer m’occuper sur ses débuts et pas sur tout à la fois. Delhi est un projet tellement important qu’il nécessite un livre à lui seul.
CAMILLE: C’est donc ce sur quoi vous travaillez en ce moment ?
MARGARET: Oui, c’est exact.
PIMLICO
PALAZZO
C'est en recherchant des informations historiques sur le complexe de logements sociaux Grosvenor à Page Street, situé dans le quartier de Westminster, Londres et créé par l'architecte Sir Edwin Lutyens à la fin des années 20, que j'ai contacté différentes institutions telles que RIBA (Royal Institute of British Architects) ou AA (Architectural Association) – qui m'ont unanimement suggéré de contacter l’historienne de l’art Margaret Richardson.
Le14 avril 2016 je contactais Margaret, dès l'après-midi du 19 avril je la rencontrais dans sa maison située dans le quartier de Camden à Londres. Elle avait préparé les publications, consacrées au travail de Lutyens, dont elle est l’auteure.
Notre conversation, avec sa permission, a été enregistrée. Margaret a publié quatre livres sur l’architecte et est également la co-fondatrice de The Lutyens Trust, association dédiée à préserver et promouvoir l'esprit et l'héritage de Lutyens. Elle m'a généreusement expliqué tout ce qu'elle savait au sujet de Page Street en insistant sur le fait qu’aucune recherche conséquente n'avait encore été dédiée à ce projet. Ensuite, elle m'a emmenée dans une autre pièce pour me montrer une table haute de bois, le bureau de Sir Edwin Lutyens lui-même, qu'elle avait reçu alors qu'elle travaillait pour RIBA.
Pour découvrir à quoi ressemblent les appartements de Page Street, je contactais une agence immobilière en prétendant vouloir acquérir l’un d’eux. Deux visites ont été organisées où je ne pouvais que prendre des photos, mais à la dérobée, je me suis permise de filmer. Dans cet appartement, rien n'était plus d'origine à l'exception des fenêtres et des portes qui doivent être conservées intactes.
Quelques jours plus tard, Margaret me transmettait enfin le contact de Stuart, propriétaire d'un appartement dans la 'Edric House', maison du complexe de Lutyens à Page street. Stuart avait contacté Margaret depuis le site de The Lutyens trust afin de lui demander s'il pouvait prendre part à une visite guidée du complexe organisée par l'association. Le 28 avril 2016 j’écrivais à Stuart et peu après, dans la soirée du 8 mai 2016, je visitais son appartement ainsi que celui de ses voisins, Judi et Freddy. Cette fois-ci, les propriétaires de l’appartement étaient enthousiastes d’être filmés et me faire découvrir leur habitation.
Margaret va publier, comme elle le dit, « un dernier livre », consacré à Sir Edwin Lutyens et plus particulièrement ses projets à New Delhi. Quant à moi, je vais continuer à montrer le fruit de mes premières investigations au sujet de Sir Edwin Lutyens.
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Texte de presse FR
Musée des Beaux Arts de Cambrai
Les artistes amis : Camille Aleña, John Armleder, Philippe Decrauzat, Jérôme Hentsch, Jean-Luc Manz, Olivier Mosset, Karim Noureldin, Daniel Sturgis
Espaces des expositions temporaires et parcours permanent du musée - Jusqu’au 4 septembre
Pour son exposition estivale, le musée invite Francis Baudevin (né en 1964. Vit et travaille à Lausanne, CH) pour une exposition monographique, qui constitue sa première exposition personnelle dans un musée des beaux-arts en France. L’artiste suisse a carte blanche dans la conception de son exposition, qui est pensée comme un véritable projet spécifique pour les espaces complets du musée. Au-delà de la présentation seule de ses œuvres dans les espaces dédiés aux expositions temporaires, Francis Baudevin investit le parcours permanent en réunissant des œuvres d’artistes de son entourage regroupées autour du motif du damier. Une nouvelle lecture du musée est alors proposée au public, à rebours du discours chronologique de l’art.
Une exposition soutenue par : Prochelvetia (fondation suisse pour la culture))
Poursuivant sa valorisation de l’abstraction géométrique, en particulier par le biais de l’invitation d’artistes à investir ses espaces, le musée convie Francis Baudevin pour une exposition monographique, du 21 mai au 4 septembre 2016. Cette exposition constituera sa première exposition personnelle dans un musée des beaux-arts en France.
L’exposition développée par Francis Baudevin, réfléchie spécifiquement pour le Musée sous la forme de deux projets complémentaires, se déploie pour l’ensemble de ses espaces, tant ceux dédiés aux expositions temporaires que ceux du parcours permanent. Le premier projet est celui de la présentation de ses oeuvres au sein des espaces temporaires. L’artiste présentera une sélection de ses travaux récents, qui témoigneront de ses dernières recherches. Jouant sur son principe d’ « abstraction trouvée », l’artiste puise ses motifs abstraits et ses couleurs dans le graphisme de pochettes de disques, les épuisant l’un l’autre par la permutation. Un ensemble de travaux sur toile sera accompagné de photographies de certaines de ces pochettes à l’origine des oeuvres picturales et d’une peinture murale.
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